а cappella (а капела) – означає хоровий спів без супроводу інструментів. А капела співають в православній церкві, але нерідко і в католицьких церквах. Саме звідти це поняття походить. Cappella з італійської – каплиця; а cappella – як в каплиці, тобто без органу, на відміну від великих соборів.
Варто згадати, що звучання хору а капела наділене абсолютно особливими властивостями. Людський голос є найпроникливішим музичним інструментом. А безліч голосів, підлаштовуючись один під одного, об’єднануючись одним диханням, створюють настільки сильну вібрацію повітря, що вона викликає надзвичайно трепетний і піднесений настрій.
Абонемент (з фр. abonnement, abonner)— передплачувати. Цими словами користувалися (й користуються) ті, хто дуже любив ходити в театр. Вони хотіли заздалегідь, за цілий рік вперед купити собі постійне місце в театрі і ходити на всі вистави.
Неважко здогадатися, що абонемент – книжечка з квитками на театральні вистави або на концерти у філармонію. Це виявилося так зручно, що ми користуємося абонементами до цих пір.
Складаючи абонементи, філармонії намагаються враховувати різні смаки любителів музики. Так, в одних абонементах переважають новинки, в інших, навпаки, старовинна музика, треті присвячені хоровому мистецтву, четверті – органному і т. д.
Абсолютний слух. Ми визначаємо колір, запах, смак без всяких додаткових пристроїв. А от почути, яка саме звучить нота, не користуючись при цьому музичним інструментом, – може не кожен. Навіть серед освічених музикантів. Про того, хто, почувши звук, може точно визначити, яка це нота, кажуть, що у нього абсолютний слух.
Свого часу надзвичайним музичним слухом та пам’яттю володів видатний класик В.А.Моцарт…
Автограф. Слово це не музичне і взагалі нічого в ньому особливого немає. Хтось щось написав своєю рукою – і тільки.
Але якщо ви побачите листок із віршем, написаний власною рукою Шевченка, чи ноти чернетки симфонії Лисенка, в якому видно, як він закреслював те, що йому не подобалося, як болісно шукав найкрасивішу мелодію, словом, як народжувалася ця музика – ви мов би наближаєтесь до таємниці його особистості, творчості, до його часу. Ось чому автографи великих композиторів, письменників, артистів, режисерів, історичних діячів ретельно зберігаються в музеях та архівах як найбільші цінності.
Академія. Почавшись із занять великого філософа Платона зі своїми учнями в священному гаю, який носив назву Академія (близько Афін). З тих пір це слово стало прозивним і ввійшло в сучасні мови для позначення наукових, навчальних та мистецьких закладів.
В епоху Відродження (або Ренесансу), в XV – XVII століттях, серед людей мистецтва стали особливо популярні найвищі досягнення античної культури. Освічена італійська знать (а саме з Італії почався Ренесанс, і музичним мистецтвом тоді займалися здебільшого знатні люди) прагнула до яскравого, діяльного інтелектуального і творчого спілкування. Люди мистецтва завжди тягнуться один до одного, утворюючи гуртки, товариства, клуби, спілки, товариства, братства, співдружності і т. д. Але оскільки тоді відроджувалася антична культура, дуже привабливим для подібних зібрань виявилася саме це антична назва. Незабаром в Італії було вже більше тисячі академій, які об’єднували художників, музикантів, поетів, філософів мало не при кожному княжому або герцогському дворі. Їх збори були заповнені вченими диспутами, концертами, музичними та поетичними змаганнями.
Поступово утворилися і чисто музичні академії, в яких розвивалася і вивчалася музика: її історія, теорія, композиція, виконавство, акустика. Виникли конкурси та іспити для вступу в члени таких академій. Особливо знаменита і престижна була Болонська філармонічна академія, заснована в 1666 році. У деяких європейських країнах (Італії, Англії, Австрії, Франції та ін.) академії існують і зараз як вищі музичні навчальні заклади.
Акомпанемент. Слово «accompagner» з французької означає «супроводжувати». З акомпанементом в музиці доводиться зустрічатися дуже часто. Під акомпанемент рояля чи фортепіано, інструментального ансамблю або оркестру, а то і баяна або гітари, співають співаки. З акомпанементом рояля грають скрипалі, віолончелісти та виконавці на духових інструментах.
Але не всяке поєднання рояля з іншим інструментом виявляється супроводом. Іноді на нотах написано, наприклад: «Соната для скрипки і фортепіано». Або «П’єса для флейти і фортепіано». Це означає, що рояль в даному випадку грає не другорядну, супроводжуючу роль, а виступає в якості повноправного партнера. Не випадково в музичних навчальних закладах є дві різні навчальні дисципліни: акомпанемент і ансамбль.
Акт. На багатьох європейських мовах це слово означає “дія”. Спочатку це слово прищепилося в театрі, потім його вживання розширилося. Кажуть “опера в трьох актах” або “комедія в чотирьох діях”. Те й інше правильно. А тепер здогадайтесь, від якого слова походять слова “актор”, “актриса”?..
Акцент. Латинське слово accentus означає “наголос”, і воно має два значення. Одне немузичне, пов’язане з мовою людини. Багато людей, навіть, мабуть, більшість, коли говорять на нерідній мові, вимовляють слова по-своєму, так, як їм звичніше у рідної мови. Тому часто говорять, наприклад: “Він говорить польською з німецьким акцентом” або: “Вона говорить українською з грузинським акцентом”.
А музичне значення – інше і дуже просте. Акцент – наголос на будь-яких звуках, спеціальне їх виділення силою удару по клавіші, струні або зусиллям голосу в співі.
Між іншим, це музичне значення в нашій мові “розширилося”. Ми досить часто говоримо, наприклад: “У своєму виступі доповідач зробив акцент на такій-то проблемі”, тобто особливо виділив її. Або: “Не треба акцентувати увагу дитини на тому-то”. Таким чином музика збагачує нашу мову.
Амплуа. Це французьке за походженням і театральне за побутуванням слово в українській мові означає застосування, посаду, рід занять.
Звичайно, в музиці воно використовується у зв’язку з оперним і балетним театром. Так, співачки з високим і легким голосом зазвичай виступають в амплуа молодих романтичних героїнь. Співаки невисокого зросту з густим басом часто використовуються в амплуа комічних персонажів і т. д.
Говорять про амплуа і в більш широкому сенсі. Наприклад: “Ми знаємо цього музиканта як видатного диригента. Участь у фортепіанному дуеті – це його нове амплуа”.
Анонім. Це поняття походить від слова “анонімний”, тобто безіменний. Ви досить часто можете прочитати це слово на афішах або в програмах концертів старовинної музики.
Дуже багато творів дійшли до нас без вказівки про автора. Чи то воно зникло в процесі листування; чи записували твір уже як анонімний, що став народним; чи автор не вважав за потрібне вказувати своє ім’я; чи закоханий музикант приховав своє ім’я, зізнаючись у піднесеному почутті до прекрасної дами.
Може виникнути законне питання – народна музика ж теж анонімна. Чому ж ми біля назви творів не пишемо “анонім”?
По-перше, це традиція. Народна музика прийшла до нас усно, без запису. Вона, швидше за все, склалася в результаті колективних творчих зусиль. Слова “анонім” ми вживаємо по відношенню до твору, що дійшов у записі й створеному одним автором.
Анонс по-французьки – оголошення. Але це не звичне для нас оголошення про продаж чи купівлю чогось, а повідомлення в газетах або по радіо про те, що через місяць до нас на гастролі приїде знаменитий співак чи цілий театр, – це анонс. У ньому рідко повідомляють подробиці – вони з’являться ближче до концертів, у афішах. Але побачивши анонс, люди налаштовуються на цікаву подію, готуються до неї зазделегідь.
Ансамбль – від французького ensemble (разом) – означає спільне виконання. Це найбільш загальне поняття. Насамперед, воно має на увазі наявність музики, написаної для спільного виконання.
Оскільки музика виконується не тільки однією людиною – солістом, але набагато частіше – кількома, а то і багатьма музикантами, то будь-який колектив виконавців, від двох чоловік до тисячних мас, – це ансамбль. Але вживається це слово в музиці зазвичай у двох значеннях.
- Перше: ансамблем, як правило, називають невеликий колектив музикантів, від двох до десяти – п’ятнадцяти осіб. Відповідно до кількості виконавців, ансамбль називають дуетом (для двох виконавців), тріо чи терцетом (для трьох), квартетом (для чотирьох), квінтетом (п’ятьох) і т. д.
- Друге: під ансамблем часто мають на увазі злагодженість виконання.
Антракт – це слово, складене з французьких entre (між) і acte (акт, дія), означає перерву між діями у виставі, між відділеннями концерту. Крім таких антрактів, під час яких можна вийти із зали, обмінятися враженнями, існують ще музичні антракти.
У XVIII ст. між діями серйозної опери показували невеликі розважальні сцени. Їх так і називали антрактами або інтермедіями, що абсолютно одне і те ж, тільки антракт французьке слово, а інтермедія – латинське.
Пізніше, починаючи з XIX століття композитори при необхідності вводили в оперний спектакль додаткові номери – симфонічні (іноді хорові) антракти. Вони звучали при опущеній завісі перед спектаклем або між діями, налаштовуючи на характер подій, які відбудуться, або відразу після дії.
Аранжування. Французьке слово arranger, як і німецьке arrangieren, в буквальному перекладі означають облаштовувати, приводити в порядок. Однак в музиці цей термін переводять словом «переклад».
Перекласти можна, наприклад, оркестрову або оперну партитуру для виконання на фортепіано в дві або чотири руки. Навпаки, фортепіанну п’єсу можна аранжувати для оркестру. Часто пісні, складені автором для голосу і фортепіано, перекладають для хорового виконання або фортепіанну партію аранжують для інструментального ансамблю.
Іноді аранжування робить сам композитор, хоча частіше цим займаються інші музиканти.
Часом на нотах можна прочитати: «Полегшений переклад». Такі аранжування для виконання на тому ж інструменті, на якому задумано автором, але технічно менш складні, робляться для допомоги любителям музики.
У джазовій музиці аранжуванням називаються різні зміни, які музиканти вносять безпосередньо під час виконання, імпровізуючи свою партію.
Арія – слово італійського походження і означає – пісня. Арія завжди найбільш повно та різнобічно характеризує героя, малює його музичний портрет.
Аріозо – як і арія – сольний музичний номер в опері. Воно зазвичай менше арії. Якщо арія буває узагальненням, роздумом, то аріозо – швидше безпосередній відгук на яку-небудь подію.
У першій половині XIX століття вихідну арію, тобто першу арію по ходу дії, ту, з якою герой або героїня виходили на сцену, називали каватиною. Така, наприклад, весела, іскрометна каватина Фігаро з опери Россіні «Севільський цирульник».
Арієтта (по-італійськи arietta – маленька арія) невелика за розмірами. Вона нагадує скоріше аріозо, але відрізняється від нього більш простою, схожою на пісенну, мелодією.
Арпеджіо. Коли звуки акорду беруть не одночасно, а по черзі, то виходить арпеджіо. Називається цей спосіб виконання акордів італійським словом arpeggio (правильніше його вимовляти – арпеджо), що в перекладі означає – наче на арфі, – тому що саме для арфи він найбільш характерний. В музичній школі початківці піаністи розвивають техніку, граючи арпеджіо поряд з обов’язковими гаммами.
У нотах арпеджіо зазвичай позначають хвилястою вертикальної рискою перед акордом. Якщо потрібно виконати арпеджіо (або ще кажуть – арпеджіато) ряд акордів, в нотах поруч з цими акордами просто пишуть італійське слово – arpeggio.
На струнних смичкових інструментах взагалі всі акорди граються тільки арпеджіато. Ці інструменти зконструйовані так, що одночасно можна вести смичок тільки по двох сусідніх струнах. Якщо ж потрібно захопити ще й третю, або всі чотири, то музикантові доводиться «пробігтися» по них смичком – звуки виникнуть не разом, хоча і дуже швидко один за іншим.
Bel canto (бель канто) з італійської – прекрасний спів. Це той неповторний віртуозний італійський спів, легенди про якого пронизують історію західноєвропейської музики і нинішні представники якого – відомі всьому світу “зірки”.
Італія вважається батьківщиною найкращих голосів, як, до речі, і Україна. Поєднання кліматичних умов з мовними і психологічними особливостями народу, мабуть, особливо сприятливе для формування хороших голосів. Але справа не тільки в цьому. Традиція і школа – ось що принесло бель канто заслужену славу.
Це мистецтво співу отримало широкий розвиток в XVII ст. в зв’язку з поширенням опери. Патетичний і гранично виразний спочатку стиль перетворився поступово в чисто віртуозний, що, до речі, вельми зашкодило італійській опері в XVIII ст. Володіння всіма регістрами голосу, рівність і ідеальна чистота тембру, захоплююча, недосяжна техніка, що дозволяє виконувати з блиском довжелезні, найшвидші і найважчі пасажі, величезне дихання – все це було результатом не тільки знання секретів майстерності, а й багаторічних (по 6-9 років) тренувань, щоденних і багатогодинних. Учні та вчителі жили разом у спеціальних гуртожитках, щоб не переривати занять. Мода на бель канто настільки захопила уми меломанів, що вони легко мирилися з неймовірною потворністю – існуванням співаків-кастратів. Таких співаків використовували в італійській церковній музиці і раніше, але стиль бель канто створив свого роду їх культ. Внаслідок виробленої в ранньому дитинстві операції голос у чоловіків не ламався, залишаючись хлопчачим. Високий регістр, дзвінкий тембр і сила чоловічих легеней народжували надзвичайно привабливе звучання. Співаки-кастрати виконували головні чоловічі ролі в опері, були найбільш високооплачуваними артистами.
У XIX столітті слово “бельканто” втратило первинний сенс і стало означати досконале володіння голосом, співучість, кантиленність. Таким чином, до майстрів бельканто відносяться всі кращі співаки: М. Каллас, Е. Карузо, С.Крушельницька, М.Кабальє та ін.
Bénéfice (бенефіс) з французької – користь, перевага. Бенефісом називають концерт або спектакль на користь якогось актора або працівника театру. Ця людина в такому випадку називається бенефіціант. Традиція бенефісів була хороша тим, що давала моральну і матеріальну підтримку артисту. Крім того, в бенефіс актор вибирав спектакль з найбільш виграшною для себе роллю, і його популярність, якщо вона починала згасати, знову оживала.
Bis (біс) – латинське “двічі”. Так кричать у залі захоплені шанувальники артистів з вимогою повторити ще раз номер, який дуже сподобався. Тому бісирувати – грати на біс. За кількістю та тривалістю оплесків виконавці здогадуються, що публіка їх не відпускає і просить повторення. Слово це міжнародне.
Одночасно зі словом “біс” і навіть частіше (бо зручніше кричати) вигукують “браво”, але це не синоніми, хоча фактично ці вигуки викликають однаковий ефект і підказують виконавцю, що його просять виступити ще раз.
Баритон – так називають чоловічий голос, по висоті середній між басом і тенором, хоча буквальне старе значення слова (з гр. barytonos) – важкий, низький. Баритон вдало поєднує переваги баса і тенора. Він сильний, значний і величний, як бас, але дзвінкий і рухливий, як тенор. Серед володарів цього надзвичайно привабливого голосу – Г. Відс, П. Г. Лисиціан, Д. Фішер-Діскау та ін.
Баритонами також називаються два інструменти з вельми низькою теситурою: струнний смичковий старовинний баритон і духовий, який часто застосовується в духовому оркестрі.
Діапазон баритона: від ля-бемоль великої октави до ля-бемоль першої октави.
Браво – це вигук захоплення і гарячого схвалення. По-італійськи bravo – відмінно. Його вигукують у залі після чудового виконання, але нерідко вигукують і в звичайній мові, іноді, втім, іронічно.
Як ви здогадуєтеся, бравіссімо – відмінно, граничний ступінь схвалення.
Буквенне позначення звуків. Ви, звичайно, знаєте, як називаються сім основних нот: до, ре, мі, фа, соль, ля, сі. Однак назви ці з’явилися пізніше, ніж літерні. Латинські букви почали застосовувати в Європі для позначення звуків з X століття. При цьому найнижчий з вживаних тоді в співі звуків – ля – стали називати першою буквою латинського алфавіту – A. У висхідному порядку звуки розташовувалися так:
А (ля), В (сі-бемоль), С (до), D (ре), Е (мі), F (фа), G (соль). Коли ж з’явилася необхідність співати не тільки сі-бемоль, але і більш високий звук, сі, його назвали наступною буквою – Н.
Для позначення альтерованих звуків стали застосовувати склади is (підвищення на півтон) і es (пониження). Таким чином, звук до-дієз в буквеному позначенні cis, а ре-бемоль – des; звук соль-дубль-дієз – gisis, а соль-дубль-бемоль – geses. Виняток становлять мі-бемоль, ля-бемоль і сі-бемоль. Вони, відповідно, позначаються через es, as і b. З літерними позначеннями можна зустрітися, слухаючи концерт; часто виконуваний твір оголошують так: Соната cis-moll, Полонез As-dur, Мазурка a-moll … Dur тут означає мажор, moll – мінор. Таким чином, cis-moll – до-дієз мінор, As-dur – ля-бемоль мажор. При буквеному позначенні мажорні тональності прийнято писати з великої літери, а мінорні – з малої.
Буффа (buffa). Італійське buffare – дути, buffata – порив вітру, а ось buffa – капюшон, забрало, порив вітру і… жарт, насмішка. Це останнє щось вже дуже схоже на наше “обдурювання”.
В театральній справі всі ці слова пов’язані з комедією. Буф – блазнівської, комічний; буффон-блазень, комічний персонаж в італійських комедіях XVIII століття; буфонада – комедійна вистава, побудована на блазнівських трюках, блазнюванні. Є ще слово буфи – пишні складки на рукавах і спідницях в жіночому одязі, теж ніби надуті.
Легко зрозуміти і значення опери-buffa – комічна опера. Цей жанр з’явився не відразу, а на противагу серйозній опері-seria. Ви помітили, що ми іноді говоримо: “Такий серйозний, надутий”. Автор першої опери-buffa був молодий італієць Джованні Батіста Перголезі. Сама її назва “Служниця-пані” – якщо вдуматися – містить головну суть пародії.
Як приклади опери-buffa можна назвати “Севільського цирульника” Дж. Паізіелло, “Таємний шлюб” Д. Чімарози, “Весілля Фігаро”, “Усі вони такі” В. А. Моцарта, “Севільського цирульника” Дж. Россіні; “Дона Паскуале” Г. Доніцетті; “Фальстафа” Дж. Верді та ін.
Вальс. Ймовірно, це була перша в історії світової культури “епідемія” танцю, яка охопила світ на такий тривалий час. Скромний австро-німецький танець вальс за лічені роки перетворився з селянського (кінець XVIII століття) до міського (початок XIX століття) і закрутив у своєму вихорі спочатку Відень, а потім і всю Європу.
Жвавий, легкий, польотний, іскристий, томний, поетичний, гнучкий, ніжний, він був і залишається вічним символом романтизму, благородної високої любові.
Видатні твори “короля вальсу” Йоганна Штрауса ми можемо і зараз чути на новорічних аристократичних балах, які щорічно проходять у Відні – столиці вальсу.
Варіації. Латинське слово variatio означає зміну. У музиці варіаціями називається такий твір, в якому основна мелодія повторюється багато разів, але в іншому характері. Іноді змінюється тільки її супровід, але частіше – і вона сама, її ритм, темп, окремі звороти.
Форма варіацій народилася в XVI столітті. Тоді виникли два різновиди поліфонічних варіацій – пассакалія і чакона. У Пассакалії – творі величного характеру, тема не змінюється. Вона весь час розмірено і величаво звучить в найнижчому, басовому голосі, у той час як у верхніх голосах з’являються і розвиваються нові самостійні мелодії. Пассакалії писали багато композиторів XVII і XVIII століть, у тому числі Й. С. Бах, Г.Ф.Гендель.
Чакона схожа на Пассакалію. Це теж поліфонічні варіації. Але в Чаконі тема, залишаючись незмінною, звучить не тільки в басу: вона «подорожує» по різних голосах, з’являючись то в верхніх, то в середніх, то в нижніх. Широкою популярністю користується Чакона для скрипки соло, Й.С.Баха. Грають її в перекладах для різних інструментів.
У XIX столітті форма варіацій отримує велике поширення. У так званих строгих варіаціях тема змінюється дуже сильно: ускладнюється акомпанемент, в мелодії з’являються нові звуки, що прикрашають її основний контур. Проте на протязі усієї п’єси зберігається близький характер. Музичний образ збагачується, але залишається впізнаваним. У творчості Р. Шумана і Ф. Ліста, у багатьох сучасних композиторів тема у варіаціях змінюється дуже сильно. Такі варіації називаються вільними. У них вже не один, а багато різних, навіть контрастних образів.
Вібрато. Латинське vibratio означає коливання, тремтіння, що, як відомо, є необхідною умовою для виникнення музичного звуку. Коливається струна, стовп повітря в духовому інструменті, голосові зв’язки і т.д.
Крім цього існує ще музично-виконавське вживання цього слова. Ви напевно помічали, як скрипалі, віолончелісти, гітаристи та інші струнники часто не просто притискають пальцем лівої руки струну, але і розгойдують пальці на цьому місці. При цьому звук стає більш співучим, емоційним. Цей виконавський прийом називається “вібрато”. Ним користуються і співаки. Спробуйте взяти якусь ноту голосом і повібрувати горлом. Відразу почуєте, наскільки багатшим стане звук.
Віртуоз. Це слово відноситься не тільки до музикантів-виконавців. Італійське слово virtuoso (від латинського virtus) означає силу, доблесть, чесноту, талант. Віртуоз – всякий, хто робить свою справу чудово, блискуче, спритно і швидко.
У музичній практиці це слово має два відтінки.
Оскільки справжній виконавець повинен володіти найвищою технікою володіння інструментом, то віртуозність є необхідним елементом його майстерності. Але не більше, ніж елементом. Віртуозність – засіб, що дозволяє музиканту вільно і глибоко розкривати зміст музики. Можливо, якби Н.Паганіні, або Ф.Шопен, або Ф.Ліст не були феноменальними віртуозами, їх твори не стали б настільки досконалими в художньому відношенні.
Буває, не рідко, що техніка виконання стає метою, музиканту важливо показати не музику як задум композитора, а швидкість своїх пальців. Такий виконавець вважається не стільки музикантом, скільки віртуозом, а його діяльність більше нагадує спорт, ніж мистецтво. Тому, якщо вас полонить віртуозний блиск виконання музики, не спокушайтеся тільки цим, а вслухайтеся і співпереживайте ці звуки: є за ними душа виконавця чи ні.
Класичний приклад суперництва віртуоза-музиканта і віртуоза-спортсмена в XIX столітті – піаністи Ференц Ліст і Зігізмунд Тальберг. Серед меломанів та музичних критиків навіть була “війна тальбергіанців і лістіанців”. В історії залишилося ім’я віртуоза Ліста.
Вундеркінд. В історії музики час від часу, як яскраві зірки на небосхилі, з’являлися дивовижні музиканти. Зовсім ще маленькі діти, років восьми – десяти, а іноді навіть менші, вони давали сольні концерти і вражали слухачів силою свого музичного таланту. Називали цих маленьких музикантів чудо-дітьми (по-німецьки – Wunderkind).
Це слово частіше зустрічалось в музичному світі в XVIII і XIX століттях. Але воно не зникло і в наш час, оскільки не зникають вундеркінди.
Діти, які рано проявилися незвичайними музичними здібностями викликають загальне захоплення і розчулення. Класичний приклад вундеркінда – Моцарт, який виступав у ранньому дитинстві у найпрестижніших салонах і залах Європи.
Доля вундеркінда непередбачувана і дуже багато в чому залежить від його батьків і вихователів. Ті з них, хто не може побороти в собі горде марнославство, починають надмірно експлуатувати дитини, що псує йому здоров’я, виробляє раннє і нездорове честолюбство, призводить до поверховості в музичній освіті. А найважче те, що, з дитинства звиклий до успіху, здобутому не працею, а лише демонстрацією того, що дала щедра природа, така людина, дорослішаючи, при зустрічі з життєвими труднощами і з суперниками виявляється з незагартованим і вразливим характером. Ось чому “зірки” вундеркіндів найчастіше гаснуть, коли вони стають дорослими.
Розумні батьки не поспішають повідомляти дитині, що він вундеркінд, виховують його в скромності і працьовитості, намагаючись створити, наскільки це можливо, сприятливі умови для його розвитку.
Гама – це послідовність звуків один за одним по висоті, від тоніки до тоніки. Тоніка – це основний (перший) звук гами. Подібно до того як можна букви розташувати за алфавітом або людей вишикувати за зростом, за віком. Це теоретичне розуміння гами.
До речі, саме в музичному сенсі, як слідування близьких тонів, слово гама вживається відносно фарб в живописі.
Ви легко відрізните гаму на слух. Треба сказати, що при всій своїй штучності гами входять іноді як складовий елемент в музику. Часто зустрічаються гамоподібні пасажі.
Розучування гам є необхідною вправою для всіх виконавців. Це як гімнастика для танцюриста. Тому коли вам доведеться їх освоювати, поставтеся до цього серйозно і не шкодуйте на гами часу.
Гармонія. Це слово настільки поширене, що немає потреби пояснювати його загальний зміст – згода, пропорційність, рівновага. Гармонійний розвиток особистості, гармонійні стосунки в сім’ї; гармоніюють кольору або лінії в одязі та аксесуарах і т. д. Незважаючи на те, що вживаються головним чином саме такого роду висловлювання, кожен відчуває, що поняття гармонії йде від мистецтва і насамперед – від музики.
У професійній музиці гармонія має кілька значень і вживається по необхідності у вузькому, або в широкому сенсах. У вузькому сенсі це слово характеризує якість співзвуч або визначає їх типи, наприклад “мажорний акорд”. А в ширшому говорять, припустимо, “гармонія Ліста”, “гармонія Мессіана”. Тут вже мається на увазі музична мова: характерні для даного композитора співзвуччя, способи і типи їх поєднання. Є ще більш широке вживання цього терміна: “класична гармонія”, “стародавня церковна гармонія”, “джазова гармонія”, “сучасна гармонія”.
Нарешті, цим словом називається і вся наука про музичні співзвуччя. Вона зародилася в епоху Відродження, коли музиканти почали усвідомлювати величезну силу впливу музичної гармонії на людину, і продовжує розвиватися донині.
Звук – явище фізичне, відповідно таке ж і співзвуччя – одночасне поєднання звуків “по вертикалі”. Тому вплив тих чи інших співзвуч на психофізичні системи людини має свої вельми чіткі закономірності. Наскільки чіткі – ви зрозумієте, згадавши для прикладу, траурний марш і те, як однаково його сприймають люди…
Не всяка гармонія діє так прямолінійно, вона нескінченно різноманітна і складна. Це цілий власний світ, що впливає на людину так само різноманітно, як природа, сонце, пора року, погода і т. д. Рухливість, мінливість, невичерпність гармонії народжують особливу барвистість музичної мови, його магію і чарівність.
Гастроль. Gast – гість, Rolle – роль. Цим цікавим німецьким словом позначається виступ приїжджого актора, театру, виконавського колективу.
Гастролі дуже давно є нормою культурного життя. Мандрівні музиканти, мандрівні актори – все це має давні традиції. Завдяки постійному культурному обміну між містами, країнами розвивається мистецтво, розширюється світогляд людей, встановлюється взаєморозуміння між цілими народами.
Генеральна репетиція. Латинське слово generalis означає “загальний”, “головний”. На відміну від звичайних репетицій, де твори розучують, пробують, генеральні репетиції влаштовують один-два рази перед прем’єрою. Вони проходять в костюмах, без зупинок, представляючи собою повністю готовий спектакль. На них навіть часто пускають навколотеатральну публіку, журналістів, критиків, колег. Генеральні репетиції необхідні для того, щоб усі учасники вистави відчували себе впевненіше на прем’єрі. Крім того, на генеральних репетиціях зазвичай виявляються не помічені раніше дрібні недоробки, і у виконавців ще залишається час щось підправити.
Геній. До XVIII століття вже склалося те розуміння поняття “геній”, яке успадкували і ми, тобто як вищу ступінь обдарованості, розуму, таланту. Але існує також античне значення слова “геній”. У стародавніх греків геній – добрий дух, покровитель людей (чоловіків, покровителька жінок – Юнона). Іноді ще кажуть “геній зла” або “злий геній”, але для цього існує більш точне слово “демон”.
Історія показує, що справді геніальний художник чи вчений – завжди людина з високими моральними якостями. Він може бути людиною жорсткою, різкою, вразливою, іноді й з дивацтвами (хоча неправильно думати, що геній обов’язково не від світу цього), але він благородний, людинолюб і добрий, не здатний на зраду, ницість чи лицемірство.
Гімн.Грецьке слово «гімн» означає урочисту хвалебну пісню. Колись у давнину так називалися піснеспіви, які складали на честь богів і героїв.
Зараз гімн як жанр є невід’ємним елементом культури цивілізованого суспільства. Гімн виводить людей зі стану буденної повсякденності і простих життєвих турбот, піднімає їх свідомість, звертаючи його до високих ідеалів. Він змушує кожної окремої людини відчути себе частиною людства. Гімн об’єднує, зміцнює і підносить людей. У ньому немає місця ні трагічному відчаю, ні насмішці чи іронії. Він простий і величний. Абсолютно зрозумілий, доступний всім і кожному. Саме тому в професійній музиці виникло таке поняття, як гімнічность. Композитори рідко вказують це в назвах творів, але знайте, що, коли ви чуєте піднесену і величну музику, – в основі її лежить гімн.
Починаючи з XVI століття в європейських країнах почали з’являтися державні гімни. Першою країною, яка заснувала державний гімн, була Голандія, яка звільнилася від іспанського панування. Пізніше, у XVIII столітті гімни з’явилися у Великобританії, Данії, Пруссії, Німеччині, Австро-Угорщині та інших країнах. Мелодіями гімнів зазвичай ставали найбільш популярні пісні маршового характеру. За основу гімну Австро-Угорщини була взята тема з струнного квартету Й. Гайдна. Державний гімн Французької республіки – Марсельєза.
І, звичайно вам відомо, що слова державного гімну України “Ще не вмерла України”, були написані о 1862 році П.Чубинським, а музика до нього – о 1863 році українським композитором М.Вербицьким.
Гліссандо. Навряд чи знайдеться людина, тим більше дитина, яка, опинившись перед фортепіано, відмовиться від задоволення провести по клавішах рукою зверху вниз або знизу вгору так, щоб вони прозвучали як хвиля чи сирена.
Не менше захоплення викликає можливість провести по всіх струнах арфи, гуслів, цимбал. Навіть по зубчикам гребінця ми чомусь всі любимо проводити пальцями чи якимись предметами.
А якщо ковзнути пальцем по одній струні гітари чи скрипки – вийде подібний ефект. Всі ці рухи і є гліссандо, що по-італійськи (glissando) означає “ковзаючи”.
Гомофонія. Як спеціальний термін це слово вживається зовсім не часто. Однозвучний, одноголосся, одностайність – так воно буквально перекладається з грецької. Але для того, щоб зрозуміти реальне значення поняття гомофонії, потрібно зіставити його з двома іншими грецькими словами: “монодія” і “поліфонія”. Монодія – це одноголосна мелодія. Як бачите, формально гомофонія і монодія – синоніми. Іноді саме в такому значенні термін гомофонія і вживається.
Подивимося на нього з іншого боку – як на антонім слову “поліфонія”. У поліфонії (буквально – багатоголоссі) важлива не сама по собі наявність декількох голосів, а їх повна рівність. А ось багатоголосся, де голоси не рівні між собою, де є головний і підлеглі, – це і є гомофонія в тому розумінні, яке закріпилося в останні два-три століття.
Мелодія з акомпанементом – так просто і так зрозуміло, що, здається, і не потрібне ще спеціальне слово. Але це зараз так може здаватися, коли гомофонія стала абсолютно звичайним, пересічним явищем. Важко повірити, але був час, коли років 250 тому назад гомофонія стала найбільшим, революційним завоюванням, які прийшли на зміну поліфонії. Сприймаючись набагато легше, ніж поліфонія, гомофонія надовго завоювала панівне становище в музиці. Що ж до поліфонії, то вона, звичайно, не зникла і використовується композиторами як один з найважливіших засобів музичної виразності.
Дебют. Ви, напевно по звучанню здогадалися, що це слово французьке – début. Означає воно перший виступ артиста, початок його артистичної кар’єри. Дебютантом може бути і той, хто вперше пробує себе на якомусь новому терені. Кажуть, наприклад: “Цей відомий артист кіно вчора дебютував як співак”.
Ну а ті, хто захоплюється шахами, знають, що в шаховій грі дебютом називається початок партії, перші ходи.
Древ’яні духові музичні інструменти. До них ми відносимо: флейту, гобой, кларнет, фагот, контрфагот, англійський ріжок. Це одна з груп інструментів сучасного симфонічного оркестру. З народних інструментів – це дудка, сопілка, фрілка і ін.
Об’єднуюче поняття “дерев’яні” вельми умовне. Так, найдавніші народні духові інструменти робили з очерету і бамбука, кераміки та кісток тварин, морських раковин. Не менш винахідливі і сучасні майстри. Зараз роблять ці оркестрові інструменти з пластмаси, скла, металу.
Джаз. Сучасний музичний стиль, який виник в середовищі американських рабів – негрів, під впливом мелодій та ритмів їхніх африканських предків та європейської музичної культури. Назва стилю походить від колективів – jazz-band – у яких виконувалася така музика.
Батьківщиною джазу вважають Новий Орлеан. Там же з’явився найранніший з великого розмаїття стилів джазу – новоорлеанський.
Найвидатнішим композитором, якому вдалося органічно поєднати можливості класики та джазу став Дж.Гершвін – творець стилю симфоджаз.
Діапазон. Слово діапазон (dia pason) грецького походження і означає «через все», тобто – у музиці – через усі звуки. Під музичним діапазоном розуміється відстань від найнижчого звуку, який може відтворити інструмент чи голос, до найвищого.
Найбільший діапазон – у органу. Він включає діапазони всіх інших інструментів – і високих і низьких. Але окремі ділянки діапазону навіть на одному і тому ж інструменті звучать неоднаково. Так, наприклад, низькі, басові звуки у рояля важкі, неповороткі а високі подібні до маленьких дзвіночків. Різні відрізки діапазону, що відрізняються один від одного якістю звучання, називають регістрами. Зазвичай розрізняють три регістра – нижній, середній і верхній. Найбільш вживаний у більшості інструментів і співочих голосів середній регістр.
Дилетант. Любитель, непрофесіонал, поверхнево знає справу, – такий дещо зневажливий відтінок носить італійське слово dilettante. Воно застосовується до всіх видів людської діяльності, які вимагають професійного підходу, в тому числі дуже широко і до музики – до виконання і написання.
Дилогія. Серед кількох значень цього слова є і музичне. Воно полягає в об’єднанні двох цілком самостійних творів – опер чи симфоній – загальним задумом. Такі твори складають цикл і залежно від величини можуть виконуватися в один або два вечори.
Класичний приклад дилогії – лірична драма Г. Берліоза “Троянці”, що складається з двох частин: “Взяття Трої” і “Троянці в Карфагені”.
Дипломант. Людина, що отримала диплом, – це, звичайно, поняття універсальне. Всі музиканти, які закінчили вищі музичні навчальні заклади, – теж отримували дипломи і були дипломантами. Але дипломами також називаються відзнаки на всіляких виставках і конкурсах. А оскільки є музичні конкурси (виконавські, композиторські), то є лауреати та дипломанти цих конкурсів. Лауреатами називають тих, хто зайняв перші місця, а дипломанти – це ті, хто не стали лауреатами, але все ж їх виступи привернули увагу і були відзначені почесними дипломами учасників.
Диригент. Диригент не просто стежить, щоб всі грали узгоджено. Він ретельно продумує задум композитора – характер звучання музики. Він розучує твір з виконавцями, вказує, коли потрібно вступити тому чи іншому інструменту, як швидко чи повільно, голосно чи тихо повинен той грати.
Диригент потрібен в опері і в симфонічному оркестрі, у хорі і в ансамблі пісні і танцю – скрізь, де музику виконує великий колектив (французьке diriger – управляти, направляти, керувати). Хором керує диригент-хоровик – хормейстер.
Колись дуже давно ансамблем виконавців керував музикант, який грав на клавесині або органі. Він виконував свою партію і одночасно визначав темп, підкреслював ритм. Потім клавішний інструмент перестав приймати участь у виконанні оркестрових творів, і керівництво перейшло до першого скрипаля. І зараз подекуди можна побачити, що невеликим інструментальним ансамблем керує скрипаль. Але склад оркестру з часом все збільшувався, і скрипалеві стало не під силу, граючи самому, керувати таким великим колективом.
На початку XIX століття склалося поняття диригента оркестру, близьке нашому. Правда, у той час диригент ще стояв обличчям до публіки (вважалося непристойним повертатися до неї спиною). Тому доводилося стояти спиною до оркестру і диригувати, не бачачи оркестрантів.
Першими від цього незручного і для оркестру і для диригента положення відмовилися німецькі композитори Фелікс Мендельсон і Ріхард Вагнер.
На початку ж XIX століття композитори і диригенти Карл Марія Вебер, Людвіг Шпор та інші застосували вперше для диригування невелику дерев’яну паличку. Зробили вони це абсолютно незалежно один від одного. Новий спосіб диригування так сподобався, що паличка стала вірною помічницею диригента. Зараз, правда, деякі диригенти відмовляються від палички.
Диригент – це душа оркестру. Так само як, наприклад, різні піаністи, виконуючи одну і ту ж п’єсу, грають її по-різному, так і диригент може підкреслити у творі його класично ясні або романтично схвильовані теми, може виділити одні риси і пом’якшити, затушувати інші.
Тому диригент повинен бути освідченим музикантом: знати історію музики, історію інших мистецтв, бездоганно розбиратися в стилі твору, вільно орієнтуватися в епосі, в яку воно було створено. Диригент повинен володіти чудовим слухом, володіти якимось (а краще – якимись) музичним інструментом.
У XX столітті всесвітньо відомі такі диригенти, як Артуро Тосканіні, Віллі Ферреро, Герберт фон Караян та ін.
Дисонанс. Французьке слово dissonance походить від латинського dissono – «неструнко звучу». Цим музичним терміном називають таке поєднання двох або декількох звуків, яке утворює напружене, гостре співзвуччя.
До дисонуючих інтервалів відносять секунди, септіми, всі збільшені та зменшені інтервали. Дисонуючими акордами є ті, до складу яких входить хоча б один дисонуючий інтервал.
Духові музичні інструменти. Так називають музичні інструменти, в яких звук виникає завдяки коливанню повітря в порожнистій трубці. Одні з них прямі і порівняно короткі, як у кларнета, флейти або гобоя. Інші довгі, для зручності «згорнуті», як у фагота, валторни, труби. Одні виготовляються з дерева, інші – з металу.
І форма інструментів, і матеріал, з якого вони зроблені, мають велике значення: вони визначають характер, забарвлення звучання, тобто тембр. Особливу роль відіграє матеріал: адже звук у металу зовсім інший, ніж у дерева. Тому духові інструменти діляться на дві групи – дерев’яні (флейта, гобой, кларнет, фагот, контрфагот, англійський ріжок та ін.) й мідні (труба, валторна, тромбон, туба та ін.).
Але всі вони мають одну загальну особливість: на відміну від клавішних та струнних інструментів вони одноголосні. Кожен інструмент може виконати тільки одну мелодію. Тому в оркестрі застосовуються зазвичай по два і більше інструменти одного виду.
Дует. Дуже популярний термін, який означає виконання музики двома музикантами – двома співаками, двома інструменталістами чи співаком і інструменталістом.
Такий вид музикування настільки популярний, що для аматорів-виконавців спеціально пишуть п’єси або вокальні твори, які так і називаються “дуети”.
Однак це поняття насправді більш широке. Дует, наприклад, – один з типових номерів опери. Адже це те ж, що і діалог у п’єсі. Відповідно, якщо виникає необхідність спільного висловлювання героїв в ораторії або кантаті, виникає дует. Щось подібне буває і в симфонічній музиці. Особливо характерні подібні дуети для інструментальних концертів Й.С.Баха, Г.Ф.Генделя, А.Вівальді.
Екосез. Французьке слово écossaise означає “шотландський”. Саме з Шотландії походить цей веселий народний танець з енергійним дводольним ритмом, перша доля якого роздроблена на дві восьмі.
У Європі з кінця XVII століття він був відомий як “англез”. Екосезом його назвали у Франції в 1726 році. На початку XIX століття до нього часто зверталися професійні музиканти. Екосези є у Л.Бетховена, Ф.Шуберта, Ф.Шопена.
Експозиція. Вам, напевно, доводилося зустрічатися з цим терміном, коли мова йшла про відвідування музею або виставки: «Експозиція цікавих картин»; «Підготовлена нова експозиція в краєзнавчому музеї …». І похідні від нього: експонуються, експонати. Чи не правда, вам зрозуміло, про що йде мова – про показ чогось: картин, якщо мова йде про художню виставку, чи якихось інших експонатів.
Експозиція в музичному творі – це також свого роду показ. Показ основних музичних тем, знайомство з «героями» твору. Саме в музиці цей термін найбільш близький до латинському значення: expositio означає виклад.
У сонатній формі експозицією називають перший з трьох її основних розділів. У ньому звучать вперше головна і побічна партії, музичний матеріал яких потім послужить основою розробки. Головна партія в експозиції звучить в основній тональності твору. Потім іде невеликий сполучний розділ, який переводить музику в тональність побічної партії. Після побічної партії іде заключна частина, яка і завершує експозицію.
Іноді говорять не головна і побічна партії, а головна і побічна теми. Це неточно, так як часто трапляється, що та чи інша партія включає в себе не одну, а дві і навіть більше тем.
Експозицією називають також виклад, тобто перше проведення теми (або тем, якщо їх більше однієї) у всіх голосах фуги. Голоси вступають по черзі, причому між їх вступами можуть з’явитися інтермедії, тобто нетематичні, сполучні епізоди. Після останнього проведення теми в експозиції часто звучить інтермедія заключного характеру, яка завершує цей розділ фуги.
Експромт. Виголосити промову експромтом, тобто без підготовки; експромтом прочитати лекцію – знову ж таки, не готуючись до неї спеціально; експромтом влаштувати вечірку з друзями – без попередніх клопотів і запрошень. Кожен з вас, напевно, чув слово експромт в подібному значенні. Вживається воно і в музиці, причому значення його схоже.
Латинське expromtus – готовий, швидкий, у застосуванні до музичної творчості позначає п’єсу, написану відразу, без підготовки. Слово це синонім імпровізації в повсякденній мові. У музиці ж експромт та імпровізація поняття споріднені, але мають відмінності. Імпровізує музикант, як правило, безпосередньо на концерті, при публіці, й існує імпровізація тільки в цей час – час свого першого і єдиного звучання. Експромтом же композитор називає п’єсу, яку, імпровізовано створивши, він записав. Так, всі любителі музики знають експромти Ф.Шуберта, Ф.Шопена, Р.Шумана, Е.Гріга.
Елегія. По-грецьки це означає скарга. У Древній Греції елегією називали траурний спів у супроводі авлоса (духового інструменту), цим терміном також позначали поетичний жанр за ознакою певного віршованого розміру. В античних Греції та Римі елегії складали в найрізноманітніших жанрах: ліричні, сатиричні, войовничі і т. д.
Починаючи з епохи Відродження елегія широко поширилася як у поезії, так і в музиці європейських країн. Приклади музичних елегій різноманітні: “Пасторальна елегія на смерть Дж. Плейфорд” Г.Перселла, “Елегійна пісня” Л. Бетховена, елегії Ж. Массне, українського композитора М.Лисенка та ін.
Епізод. По відношенню до музики цей термін вживають за аналогією з театром, кіно тощо, позначаючи ним частину загальної дії, яка помітно вирізняється власними ознаками.
Епізодами називають частини у формі рондо, які змінюються на відміну від незмінного рефрену, а також фрагменти сонат, симфоній, опер та інших великих форм.
Етюд. Французьке слово etude буквально означає “вивчення”. Воно прийняте насамперед в образотворчому мистецтві, де, як і ескіз, означає початковий начерк, звичайно з натури.
З самого початку XIX століття слово “етюд” прищепилося і в музиці для назви спеціальних п’єс навчального характеру, націлених на окремі технічні прийоми. Такі чисто технічні етюди пишуть і зараз. Найбільші композитори-віртуози (Н. Паганіні, Ф. Шопен, Ф. Ліст) писали етюди як художні твори, при тому, що в них полягала і технічна задача. Закріпившись як музичний жанр, етюд живе і в XX столітті, змінюючись і розвиваючись у відповідності з новими стилями. З’явилися навіть оркестрові етюди.
Імітація. Це латинське слово (imitatio) означає наслідування. Імітувати – значить наслідувати. У мистецтві, як і в житті, імітація зустрічається дуже часто. Майже кожна людина вміє імітувати манеру розмови, жести і міміку інших людей, спів птахів, голоси тварин. У деяких видах мистецтва – в театрі, в кіно, в радіопередачах і телеспектаклях часто доводиться зображати – імітувати – шум дощу, свист вітру, удари грому, гул морського прибою та інші звуки.
У музиці термін «імітація» означає особливий прийом розвитку. Так прийнято називати повторення мелодії, яка щойно прозвучала в іншому голосі або в іншого інструменту. Найчастіше імітація зустрічається в творах поліфонічного складу. Якщо вам доводилося слухати фуги Баха, то ви, напевно, помітили, що починається фуга одноголосно. Потім мелодію, виконану першим голосом, повторює другий – від іншого звуку. Далі з тією ж мелодією вступає третій, а потім і четвертий голос.
Імітація зустрічається і в гомофонной музиці, однак якщо в поліфонічної вона – основний і абсолютно неодмінний прийом поєднання голосів, то в музиці гомофонно-гармонічного складу вона використовується лише зрідка.
Імпровізація. Зазвичай композитор, пишучи твір, попередньо обдумує його, робить начерки, а потім вже записує на нотному папері, ретельно відпрацьовуючи кожну деталь.
Але буває й так: музикант сідає інструмент, бере кілька акордів, а потім, немов розмірковуючи, починає грати. Звучать пасажі, виникають і зникають мелодії, знову змінюючись розливами пасажів… Запитайте цього музиканта, що він грав, і він відповість: так так, нічого, просто імпровізував.
Латинське слово improvisus означає – непередбачений. Імпровізувати – значить грати, одночасно пишучи, або, вірніше, складати без попередньої підготовки.
В давнину мистецтво музичної імпровізації було розвинене дуже широко. Кожен музикант, виступаючи на концерті, повинен був імпровізувати на замовлення публіки твір у певній формі – варіацій, фуги, сонати, на тему, запропоновану ким-небудь з присутніх.
А ось уривок програми одного з концертів маленького Моцарта (ви, напевно, знаєте, що Моцарт з раннього віку проявив себе як геніальний музикант. В шість років він вже виступав з концертами в різних країнах):
- «Арія, яку пан Амадео (так звали Моцарта в Італії) відразу напише на запропоновані йому вірші і потім виконає, акомпануючи собі на Клавікорді.
- Соната на тему, яку запропонує за своїм вибором перший скрипаль оркестру, напише і виконає пан Амадео …
- Фуга на тему, запропоновану експромтом…»
В одному італійському місті слухачі, які не могли повірити, що дитина здатна так натхненно імпровізувати, зажадали, щоб він зняв з пальця перстень. Вони вирішили, що перстень чарівний і керує руками хлопчика. Звичайно, знявши перстень, Моцарт продовжував грати так само добре.
Прекрасним імпровізатором був і Бетховен… Про геніального скрипаля і композитора Нікколо Паганіні, наприклад, розповідали, що кращі його твори – не ті, що записані, видані і відомі всім, а ті, що він імпровізував і ніколи більше не повторював.
У наш час мистецтво імпровізації в класичній музиці майже зовсім забуте. Лише вкрай рідко зустрічаються музиканти, здатні імпровізувати «на очах у публіки». Сталося це насамперед тому, що в музиці, як і в усіх сферах нашого життя, панує «вузька спеціалізація»: композитори тепер не є одночасно концертуючими музикантами-виконавцями, а професійні інструменталісти-концертанти, як правило, не володіють видатними композиторськими даними. Старі традиції іпровізації збереглися хіба лише у деяких органістів.
Хоча, треба віддати належне, в таких сучасних стилях як джаз, джаз-рок, ф’южн, а також популярних рок та блюз імпровізація – дуже важливий елемент виконання.
Інвенція. Цим словом, що по-латині означає «винахід» (inventio), Й. С. Бах назвав невеликі поліфонічні п’єси, які він складав спеціально для своїх учнів. Це були свого роду вправи, необхідні для того, щоб оволодіти прийомами виконання складних поліфонічних творів, зокрема – фуг. Назву для своїх п’єс композитор підібрав надзвичайно точно, так як його інвенції дійсно сповнені вигадок, дотепних поєднань і чергувань голосів.
Але інвенції – не тільки вправи. Це яскраві художні твори, в кожному з яких втілено певний настрій. Бах вважав, що його інвенції можуть допомогти початківцю не тільки виконувати, але і складати музику. Ось як він визначив у передмові до інвенції їх призначення: «Щиросердне керівництво, яке дає можливість любителям клавірного мистецтва і особливо спраглим його вивчення не тільки навчитися чисто грати двоголосся, але при подальших успіхах впевнено і вміло поводитися і з триголоссям… виробити співучу манеру гри і, разом з тим, розвинути в собі сильний нахил до композиції…»
Інтерв’ю. Нічого специфічно музичного в цьому слові немає. Але інтерв’ю є одним з літературно-публіцистичних жанрів, завдяки яким широка громадськість, величезне коло читачів можуть ближче познайомитися з будь-яким діячем політики, культури, науки, релігії, мистецтва, спорту.
Інтерв’ю не завжди бувають яскравими, але сам жанр має багаті можливості. Питання та відповіді у формі бесіди мають на меті розкрити особистість, показати її несподівані сторони, швидку реакцію, винахідливість, дотепність.
При всьому тому інтерв’ю – жанр відповідальний. Слово, сказане іноді напівжартома, вилітає, його потім починають цитувати, будувати психологічний портрет героя.
Передаючи пряму мову людини, інтерв’ю є цінним історичним документом.
Інтермедія. ”Міждія”, “знаходиться посеред” – так перекладається латинське intermedius. Короткі сценки, пантоміми, балети, маскаради, дивертисменти – ось що представляли собою інтермедії, які дуже любили вставляти між актами драми, трагедії або опери в європейському театрі XVI – XVIII століть.
Хоча становище інтермедій було другорядним, однак до них спеціально готувалися, робили декорації, костюми і т. ін. До інтермедій писали і особливу музику. У результаті саме з інтермедій розвинувся жанр балету. Їй зобов’язана своєю появою італійська опера-buffa. Знаменита “Служниця-пані” Дж. Перголезі була написана саме в жанрі інтермедії.
Це слово з театру перейшло в інструментальний поліфонічний жанр – фугу. У фузі інтермедія позначає, по суті, те ж саме: епізод між проведеннями теми, які є основою музичної драматургії фуги.
Інтерпретація. Тлумачення, пояснення, розкриття змісту чого-небудь – означає латинське слово interpretatio. Як музичне поняття воно використовується у зв’язку з мистецтвом виконання. Нотні знаки однакові для всіх, абсолютно ідентичні екземпляри друкованих нотних видань. А ось музика у всіх виходить різна. Кожен музикант вкладає в неї свої емоції, своє розуміння драматургії, характеру. Це і є власна виконавська інтерпретація музичного твору.
Інтонація. Тон мови, ритміка і мелодика слів, фраз; вираз характеру висловлювання, нюанси змісту і змісту – все це відноситься до слів, до нашої мови. Однак якщо вдуматися, то ці речі стосуються саме музичного боку виголошення словесного тексту. Ось чому в музиці інтонація – основа основ. Адже тон – це звук, звучання, а інтонація – це пожвавлення, осмислення тону, дихання музичної матерії.
Чисто практично слово “інтонація” вживається в музичній практиці головним чином у двох значеннях: як позначення інтервалу, “кроку” мелодії, співвідношення її тонів і як ступінь чистоти звучання конкретної ноти, правильність інтонування.
Каденція. Цим словом позначаються два різних, але споріднених явища в музиці.
Основні значення італійського слова cadenza – темп, ритм, розмір, швидкість. Однак музичне значення поняття каденції походить від дієслова cadere, який перекладається як “падати, впасти, звалитися, скидатися, опускатися” і т. д. Ви прекрасно знаєте, що кінець оповідного пропозиції в мові, що позначається крапкою, супроводжується зниженням голосу. Якщо ви згадайте хоча б кілька мелодій, ви переконаєтеся, що більшість з них теж закінчується пониженням інтонації або, як кажуть про музику, низхідними інтонаціями. Так от, каденція (у тому значенні, про який зараз йде мова, вживають і рівнозначне слово “каданс”) є останньою інтонацією перед закінченням, власне кажучи, остаточної інтонацією. Як і в мові, остання інтонація дуже багато що визначає в характері висловлювання.
Є й інше значення цього слова: віртуозне завершення вокальної або інструментальної п’єси. У інструментальних концертах існує традиція приділяти цілий фрагмент (як правило, незадовго до кінця твору або однієї з його частин) концертуванням соліста. У каденції артист показує свою віртуозну майстерність, вміння імпровізувати (раніше каденції не виписували, а просто вказували в нотах місце, де вони повинні бути), блиск і темперамент своєї гри. Починаючи з Бетховена, композитори стали самі складати і записувати каденції до своїх творів.
Пізніше каденцією стали називати сольні фрагменти в симфонічних творах.
Камерна музика. В давнину, коли не було концертних залів, філармоній, інструментальна музика і невеликі вокальні твори виконувались, в основному, в будинках любителів музики. Збиралися друзі-музиканти, розставляли підставки для нот – пульти, виймали з чохлів та футлярів скрипки, альти, віолончелі, а іноді й флейти та гобої, хтось сідав за клавесин, і починався домашній концерт. Звучали сонати, тріо, квартети. Іноді хтось співав під акомпанемент клавесина або інших інструментів. Серед слухачів зазвичай було лише кілька людей родичів і знайомих.
Музикували таким чином і в скромних будиночках ремісників, і в аристократичних салонах. Звідси й пішов вислів – камерна музика (camera по-італійськи – кімната), тобто музика, призначена для виконання не у великому залі театру або в церкві, а в кімнаті, музика домашня.
Зрозуміло, що в кімнаті не можна було грати симфонії, виконувати опери або ораторії. Тому камерними називали твори, написані для невеликої кількості виконавців – сольні інструментальні п’єси, дуети, тріо, квартети, пісні та романси, які можна було виконати в домашніх умовах. І хоча з часом камерна музика вийшла з віталень в концертні зали, стара назва її збереглася. Втім, і зараз її намагаються виконувати не в великих концертних залах, де зазвичай звучать симфонії і ораторії, а в менших за розміром камерних залах.
Канон. У цього грецького слова кілька значень, але суть загальна: правило. У мистецтві – це закон, якому підпорядковувалися майстри – архітектори, іконописці чи музиканти. Підпорядковувалися тоді, коли професійне мистецтво існувало лише в лоні церкви, тобто в епоху середньовіччя. Наприклад, Богородицю з немовлям потрібно було малювати в строго певних пропорціях, витримуючи кут нахилу голови і так далі, до найдрібніших деталей. Настільки ж суворо було з церковними співами. Тоді ж винайшли нотний запис, щоб всі могли виконувати точно, без творчих відступів. Про те, що було колись узаконено, говорять – “канонізовано”.
Що ж до канону в музиці, то це – цікавий прийом. Тут теж буквальне слідування, але не загальному якомусь правилу, а мелодії. Один голос починає співати, другий повторює за ним його мелодію абсолютно буквально, без змін. Напевно, ви бавились гру, коли, перекривляючи когось, повторювали за ним слово в слово. Це точний аналог музичного канону.
Особливий різновид канону – нескінченний канон. Мелодія в ньому може повторюватися скільки завгодно разів, переходячи від закінчення знову до початку.
Кант. Будь-яке слово в музиці з коренем “кант” неодмінно відноситься до співу. Тому що латинське слово cantus означає “спів”, “пісня”. Але за словом стоїть жанр, а за жанром – історія.
Італійські канцонетти, невеликі дво- або триголосні пісні виникли наприкінці XVI століття і в XVII – вже були дуже популярні як в Італії, так і за її межами. У Польщі, в Білорусії і в Україні з’явилися родинні їм канти. Це триголосні, з чітким танцювальним ритмом пісні, які так міцно увійшли в побут, що їх інтонації живлять нашу пісню донині (пригадаймо канти Г.Сковороди).
Спочатку канти складалися тільки на духовні тексти, але виконувалися в побуті. У цьому немає нічого суперечливого, тому що все світське мистецтво східнослов’янських країн того часу грунтувалося на сюжетах і образах, запозичених з Євангелія і Біблії. І грамота і культура йшли тоді лише від церкви. Але в XVIII столітті, крім духовних, з’явилося безліч світських кантів з найрізноманітнішою тематикою: любовно-ліричні, жартівливі, патріотичні, вітальні, панегіричні і т. д. А більш ранні канти духовного змісту, написані на тексти псалмів, стали називатися “псальмами” .
Мелодика кантів поєднує в собі риси народної пісні, знаменного розспіву, менуета.
Капелла. Слово капела – cappella – в перекладі з італійської означає «каплиця». Яке ж відношення має каплиця до хору?
У католицьких храмах вже багато століть богослужіння супроводжується музикою. У соборах і великих церквах здавна споруджували органи. Органісти імпровізували, супроводжували своєю грою спів хору, і богослужіння виходило дуже урочистим, справляло сильне враження на тих, хто молиться. Але в маленьких церквах, каплицях, органів не було. Хору там доводилося співати без супроводу. Тому з часом спів без інструментального акомпанементу і стали називати: «як в каплиці». По-італійськи – a cappella. А сам хор стали називати капелою.
Тепер це слово розширило своє значення. Ним іноді називають не тільки хоровий, але й інструментальний колектив.
Капельмейстер. В XVIII столітті великі аристократи часто заводили у себе цілий штат музикантів – оркестр, хор, солістів-співаків. Такий штат стали називати капелою, а його керівника – капельмейстером. Наприклад, композитор Гайдн більше тридцяти років прослужив капельмейстером в капелі князя Естергазі.
Спочатку обов’язки капельмейстера були дуже різноманітні. Він повинен був не тільки керувати всіма музикантами, підбирати репертуар і складати музику, але і стежити за станом музичних інструментів, за нотною бібліотекою, давати уроки співу, загалом займатися всім, що зволить доручити йому пан.
З часом у капельмейстера залишилися переважно диригентські обов’язки. Ще пізніше керівника симфонічного оркестру капельмейстером називати перестали: цей термін відносився до недавнього часу тільки до диригентів військового духового оркестру. Тепер же це звання зовсім вийшла з ужитку.
Капріччіо. Італійське слово capriccio означає каприз, примха. У музиці воно або його похідні зустрічаються досить часто: так називають п’єси, вільної будови, примхливого, мінливого характеру.
Іноді вживають не італійську, а французьку форму цього терміну – каприс (caprice). Широко відомі скрипкові каприси Паганіні – віртуозні, химерні п’єси, оркестрове “Андалузьке капріччіо” К.Сен-Санса.
Кастаньєти. Цей своєрідний музичний інструмент веде своє походження з Іспанії. Під завзяте клацання кастаньєт танцюють іспанці болеро, сегедилью, хоту.
Кастаньєти належать до числа ударних інструментів симфонічного оркестру. Застосовують їх досить часто, як правило, в танцювальних епізодах – у опері Бізе «Кармен» у другому акті героїня танцює під кастаньєти, якими вона вистукує хитромудрий ритм.
Усі чули слово “каштан” – від якого походить назва цього інструменту, нагадуючи їх своєю формою.
Справжні іспанські кастаньєти робляться з дерева твердих порід – чорного дерева, самшиту, кокосової пальми. За формою вони нагадують раковини і з’єднані попарно шнурком, який стягується навколо великого пальця. Техніка гри на кастаньєти досить складна. Іспанські танцівники оволодівали нею з дитинства.
В оркестрі застосовують спрощений різновид кастаньєт: дві пари дерев’яних раковин, насаджених на кінці рукоятки.
Квартет. Слово це має не одне значення. Як і назва інтервалу – кварта – воно походить від латинського quartus – четвертий. Що ж називають словом «квартет»? Насамперед квартет – це назва твору. Твору багаточастинного (перша частина якого написана, як правило, в сонатній формі) і призначеного для чотирьох – звідси і quartus – виконавців. Найбільш часто квартети пишуть для двох скрипок, альта і віолончелі. Називається він струнним, тому що розрахований на виконання одними тільки струнними інструментами. Струнні квартети писали Гайдн (якого вважають засновником класичного квартету), Моцарт, Бетховен та ін.
Квартети для іншого складу інструментів зустрічаються значно рідше. Наприклад, фортепіанний – для скрипки, альта, віолончелі та фортепіано. Бувають і квартети для духових інструментів. У операх досить часто зустрічаються квартети вокальні – ансамблі, в яких беруть участь чотири дійові особи опери. Наприклад, в останньому акті опери Верді «Ріголетто» є квартет Герцога, Джильди, Маддалени і Ріголетто.
Учасників виконання квартетних п’єс теж називаються квартетом.
Кода. Італійське слово coda означає хвіст, кінець, шлейф. Таким «несерйозним» терміном в музиці називається додаткова заключна побудова, яка наступає іноді в музичній п’єсі після основного заключного розділу.
У коді зазвичай закріплюється, затверджується головна тональність твору, звучать його основні теми.
Колоратура. Синонім слова колорит, з італійської coloratura – означає прикрасу. Прикраси в музиці – це віртуозні пасажі, трелі та інші схожі на них «музичні орнаменти», які розмальовують основну мелодію арії або – рідше – романсу.
Як правило, колоратури зустрічаються в творах, написаних для найвищого, легкого і рухливого жіночого голосу – колоратурного сопрано. Так ви, напевно, не раз чули арію Цариці ночі з опери Моцарта “Чарівна флейта” . Але бувають колоратури і в творах, написаних для інших голосів. Наприклад, арія дона Базиліо «Наклеп» в опері Россіні «Севільський цирульник» написана для баса, але багато «прикрашена» колоратурою.
Особливо характерні колоратури для опер італійських композиторів. Італійські співаки здавна славилися своєю віртуозністю, і з найдавніших часів в італійській музиці склалася традиція збагачувати вокальну музику різними прикрасами. У XIX столітті ця традиція почасти позначилася і в творах композиторів інших країн.
Комічна опера, опера-buffa. Опера комедійного змісту. Набула поширення пізніше “серйозних” оперних жанрів і, в якійсь мірі, протистояла їм, як мистецтво більш живе і реалістичне.
Зародження жанру припадає на 30-ті роки 18 ст., коли в Італії виникла опера-буффа. У Франції середини 18 ст. цей жанр, що виріс з веселих ярмаркових балаганних сценок, отримав назву “опера-комік”.
Англійської різновидом комічної опери була так звана “баладна опера” з її яскраво вираженими пародійними рисами. У Німеччині набув поширення зінгшпіль, найбільш яскраві зразки якого створив Моцарт.
В цілому, для комічної опери характерна перевага жанрово-побутової стилістики, наявність речитативів, а іноді і розмовних епізодів. Мелодика близька до народних витоків, твір орієнтований на більш широку, демократичну аудиторію. Наприкінці 19 ст. жанр втрачає визначеність, частково передавши свої функції опереті і мюзиклу, з одного боку, з іншого ж боку, на прикладі “Фальстафа” або “Кавалера троянди” можна бачити, що комічна опера стала частиною сучасної музичної культури з її досить складною, витонченою музичною мовою.
Композитор. Були часи, коли цим словом називали будь-якого, хто займався композицією, якої б галузі мистецтва це не стосувалося. Адже латинське composito означає – твір, складання. Термін compositor можна перевести як автор, упорядник і віднести його до чого завгодно, навіть до складання (композиціі) витончених букетів.
Проте вже починаючи з XVI століття цей термін все частіше став вживатися в значенні «письменник музики» (спочатку говорили, як правило, «композитор музики»). Зараз у нього є тільки одне це значення.
Дуже важко стати справжнім композитором. Для цього потрібно присвятити все своє життя музиці: з дитинства вчитися грати на роялі, добре знати всі музичні науки – теорію музики, гармонію, поліфонію, оркестровку, історію музичного мистецтва. Потрібно вивчити твори всіх великих композиторів минулого і сучасності, зрозуміти особливості їхньої творчості; вивчити особливості звучання всіх музичних інструментів. Тільки тоді можна писати справжню хорошу музику. Зрозуміло, якщо є творчий хист.
Ті, хто хоче стати композитором, навчаються в музичному училищі і в консерваторії на теоретично-композиторському факультеті.
Консерваторія. Що це вища музична школа, – знає кожен. Але цікава першооснова цього поняття (латинське слово conservo – значить “зберігаю”).
У XVI столітті в Італії консерваторіями назвали міські дитячі притулки, де виховували сиріт і безпритульних. (В одній з таких консерваторій пізніше викладав композитор Антоніо Вівальді). Зберігаючи життя дітям, їм давали і які-небудь трудові навички, навчали ремеслам. Однією з професій для цих дітей була музика, співоче мистецтво. З них готували співаків церковних хорів. Поступово така спеціалізація стала основною, і таким чином консерваторії перетворилися на музичні навчальні заклади.
Історично склалося так, що роль вищих музичних навчальних закладів у різних країнах і навіть містах виконують не тільки консерваторії, але академії, інститути, вищі школи музики, коледжі і т. д.
Консонанс. Це французьке слово (що від латинського consonantia) означає злите, згідне і стійке звучання, струнке гармонійне співзвуччя.
Консонанс – протилежність дисонансу, що відрізняється жорсткістю, “колючістю” звучання. Зіставлення консонансів і дисонансів, їх взаємини нерідко складають основу музичного розвитку. Музика, що складається з одних консонансів, так само неможлива, як і така, що складається з одних дисонансів. Однак не все так просто і прямолінійно. Поняття консонанса з кожним століттям все більше розширюється. Багато співзвуччь, що вважалися дисонансами, поступово сприймаються все м’якше, переходячи в розряд консонансів. Це збагачує і розвиває музичне мислення. Ви зможете переконатися в цьому, прослуховуючи і порівнюючи твори Баха і Вагнера, Моцарта і Дебюссі і т. д.
Конферансьє. Насправді це французьке слово означає “лектор, доповідач”. Але у нас воно асоціюється з назвою артиста, який оголошує концертні номери, ведучого концертних програм.
Хоча конферансьє, здавалося б, не має прямого відношення до основної – музичної сторони концертів, його роль дуже значна. Весь його вигляд, манера мови, артистизм, індивідуальність повинні створювати особливу атмосферу концерту: святковість, урочистість, благородство. Конферансьє задає тон і стиль усьому залу, подібно до того, як це роблять ведучі телепрограм.
Концерт. Латинське concertare означає змагатися. Італійське concerto – згода. У музиці концертом стали називати твір, у виконанні якого беруть участь соліст і оркестр. Вони ніби змагаються один з одним: віртуозна партія соліста протиставлена барвистості звучання оркестру. Як правило, інструментальні концерти складаються з трьох частин і створюються за тим же принципом, що і сонати. Зустрічаються також концерти, що складаються з більшої кількості частин, бувають вони і одночастинні. Безліч концертів написано для рояля, скрипки, віолончелі з оркестром. Є концерти і для інших інструментів – для духових, для гітари і т. д. Ви могли почути і концерт для голосу з оркестром. Його написав український композитор Р. Глієр.
Іноді композитори пишуть концерти не для одного, а для двох або трьох соло інструментів. Тоді концерт так і називається: подвійний або потрійний…
Що ж до іншого значення терміна концерт, то воно означає публічне виконання музичних творів, на якому присутня публіка. Так само називають, крім того, виконання музичних творів по радіо і телебаченню, хоча передачі там часто ведуться зі студій, в яких ніякої публіки не буває.
Концерти можуть бути різні: симфонічні і камерні, хорові та естрадні, сольні та змішані.
Концертмейстер. Це поняття пов’язане з двома виконавськими амплуа. Перше відноситься до симфонічного оркестру. Партії струнних в оркестрі представлені багатьма виконавцями. І незважаючи на те, що кожен оркестрант дивиться на диригента і підпорядковується його жестам, в струнних групах є музиканти, які їх очолюють, ведуть за собою. Крім того, що скрипалі, альтисти і віолончелісти йдуть за своїми концертмейстерами під час виконання, в обов’язки концертмейстера входить також стежити за правильним строєм інструментів, за точністю штрихів. Аналогічну функцію виконують керівники духових груп – регулятори.
Концертмейстерами називаються також акомпаніатори, які не тільки виступають з співаками і інструменталістами, але й допомагають їм розучувати свої партії, працюють з оперними артистами, допомагають при постановці балетного спектаклю, виконуючи під час репетицій партію оркестру.
Однак не всякий музикант, який акомпанує співакові або інструменталісту, – просто концертмейстер. За цю справу нерідко беруться і великі музиканти, тим більше при виконанні таких творів, в яких фортепіанна партія дуже розвинена і ансамбль набуває характеру рівноправного дуету.
Кульмінація. Латинське слово culmen означає в перекладі вершина, найвища точка. У музичному творі кульмінацією називається епізод, в якому досягається найвища напруга, тобто найбільш емоційно впливаючий момент, до якого підводить логіка побудови всієї п’єси. Кульмінацій може бути кілька протягом великого твори. Тоді одна з них є головною (її називають іноді центральною або генеральною), а решта – «місцевими».
У музиці кульмінація так само необхідна, як центр композиції в живописі або в архітектурі. До нього притягується основна увага глядача. Кульмінацій може бути кілька. Але головна зазвичай припадає на певний розділ всієї форми, який знаходиться приблизно між серединою і кінцем твору, в так званій точці “золотого перетину”.
Людське сприйняття так влаштовано, що на початку твору його увага найбільш активна. І для того, щоб вона не слабшала, її підтримують наростаннями звучності, які призводять до кульмінації. Яка ж вона, музична кульмінація? Зазвичай це найгучніше місце. Як правило, в ньому беруть участь всі інструменти, для яких даний твір написано. Обов’язково захоплюється верхній регістр. Всіма можливими засобами досягається максимальне емоційне напруження. Це не означає, що у всякому творі неодмінно задумана найсильніша кульмінація. У кожній композиції вона така, яку вимагає загальний задум, зміст твору. Кульмінація може бути і тихою. Ми її впізнаємо за особливою напругою нашої уваги.
Лад. Лад – це взаємозв’язок звуків, різних по висоті. Лад визначає характер мелодії, характер гармонії, поєднання звуків у поліфонії. Для визначення ладу важливе поняття звукоряду. Звукоряд – це звуки одного ладу, які представляють собою гаму. У звукоряді сім ступенів (звуків), які розрізняються по висоті. Їх прийнято позначати римськими цифрами.
- I ступінь – тоніка
- II ступінь – низхідний ввідний
- IIIіступінь – медіанта
- IVступінь – субдомінанта
- V ступінь – домінанта
- VI ступінь – субмедіанта
- VII ступінь – висхідний ввідний.
Найбільш вживаними ладами класичної музики є мажор та мінор. У мажорному ладі музика сприймається як весела, бадьора, життєрадісна, піднесена. У мінорному ладі – навпаки – сумною, глибокою, задумливою.
Окрім мажору та мінору, в класичній музиці використовують лади народної музики, історія яких бере початок ще з давньої Греції, звідки йдуть їхні назви: іонійський, дорійський, фрігйський, лідійський, міксолідійський, еолійський, гіпофрігійський.
Існують також шестиступеневий збільшений лад, зменшений лад (тон-півтон), п’ятиступеневий лад – пентатоніка та ін.
Лауреат. Це поняття прийшло до нас з глибокої давнини. Ще в Древній Греції, а потім і в Римі переможців на змаганнях увінчували лавровими вінками. З тих пір і з’явилося слово laureatus, по-латині – увінчаний лаврами.
В наш час це слово вживається в двох значеннях. Перше – переможець музичного змагання, конкурсу.
Друге значення слова лауреат відноситься не тільки до представників мистецтва. Так називають людину, відзначену високою премією. Є лауреати Нобелівської премії, лауреати Державних премій. Такими лауреатами стають не тільки музиканти, а й художники, поети, архітектори, кінематографісти, вчені, котрі здійснили відкриття, винахідники, які придумали нові апарати, робітники, які відзначилися високими показниками у праці.
Лейтмотив. Лейтмотив – німецьке слово (Leitmotiv), що означає в перекладі – провідний мотив. Так називається яскрава, яка швидко запам’ятовується музична тема – частіше мелодія, але може бути і короткий, з кількох звуків, мотив, і акордова послідовність, яка описує якийсь образ або драматичну ситуацію. Лейтмотиви застосовуються у великих музичних творах – операх, балетах, симфонічних творах, – і з’являються неодноразово, іноді в зміненому, але завжди впізнаваному вигляді.
Дуже любив використовувати лейтмотиви німецький композитор Ріхард Вагнер. Особливо багато їх в його тетралогії «Перстень Нібелунгів», де лейтмотивами характеризуються не тільки герої, але і їхні почуття, і навіть окремі предмети, як, наприклад, заповітний меч, золотий перстень, який символізує владу над світом, закличний ріг юного героя Зігфріда.
Лібретто. “Книжечка” – так перекладається італійське слово libretto. Це не зовсім сходиться з нашим уявленням про лібрето, як про сюжет опери чи балету. І ось чому.
Коли з’явилися перші опери, вони тоді ще називалися не операми, а музичними драмами, з тієї простої причини, що в основі твору була драматична п’єса, яку композитор перекладав на музику.
Поступово музика стала головувати настільки, що зміст самої драми вже було важко розібрати. Тому її текст видавали у вигляді маленьких, кишенькового розміру книжечок, які продавали в театрі перед виставою і за якими слухач міг стежити за ходом драматичної інтриги.
Цей звичай зберігся до наших днів, що дозволяє виконувати оперу мовою оригіналу. Видаються і завжди вкладаються в програму і балетні лібрето. Вони зазвичай передають лише основний зміст балету, так як мова танцю більш умовна, ніж спів.
В якості лібрето можуть бути використані варіанти вже відомих сюжетів, якісь оригінальні твори, написані як лібрето, а можуть бути і цілком взяті п’єси. Автором лібрето (лібретистом) може бути і драматург, і сам композитор, і балетмейстер, і оперний режисер.
Магніфікат. Це один з жанрів католицького та протестантського богослужінь, кульмінаційний пункт вечірній. “Magnificat anima mea Dominum” (Величай душе моя Господа) – ось перші слова цього піснеспіву, за якими вже видно, що це хвалебна пісня на честь Всевишнього. В Євангелії їх вимовляє Д іва Марія.
Твори цього жанру створювалися протягом кількох століть: магніфікати є у Орландо Лассо і Баха, Моцарта і Мендельсона. Незважаючи на те, що вони сильно розрізняються за стилями і музичному мови, одне залишається незмінним: святковий, піднесений, радісний характер музики.
Мадрігал. Історія цього музичного жанру впродовж XIV-XVII століть була непроста і динамічна. Будучи популярним в XIV столітті, він представляв собою двох-або трьохголосну пісню, іноді з інструментальним супроводом, на тексти любовно-ліричного, сатиричного або міфологічного характеру. В XV столітті мадригал вийшов з моди і був забутий.
Однак з 1530-х років сталося несподівано потужне відродження цього жанру, яке продовжилося ціле сторіччя. Втім, відродження стосувалося швидше зовнішнього боку – назви, характеру поетичних текстів. Що ж стосується музики, то можна сказати, що жанр народився заново. Нові мадригали складали у вигляді багатоголосних, зазвичай п’ятиголосних поліфонічних вокальних ансамблів, де зміст поетичного тексту передавався з найтоншою майстерністю, вишуканістю і виразністю.
Майстрами мадригала були Дж. Палестрина, К. Монтеверді, У. Берд, Г.Шютц, К.Джезуальдо і багато композиторів Італії та інших європейських країн.
Мажор та мінор. Поняття “мажор” та “мінор” досить широко відомі за межами професійної музичної освіти, про них мають уявлення мало не з дитячого садка. “Мажорна музика – світла, весела; мінорна – сумна…”, – відповість кожен. Можливо і не потрібно більше нічого додавати? І все ж… Звернімося до походження цих слів.
Латинське major означає “більший”, а minor – “менший”. Як і в чому можна виміряти характер і лад музики? У яких цифрах виражається радість, а в яких – печаль? Та чи можливо це взагалі? Для цього звернемося до теорії музики.
Звуки розрізняються по висоті. А для вимірювання висоти, як і для будь-якого вимірювання, потрібна одиниця виміру. Такою умовною одиницею служить півтон, і саме півтон розділяє між собою найближчі звуки в музиці європейської традиції. Так ось, відстань між звуками, що вимірюється чотирма півтонами (або двома тонами, що одне і те ж), утворює велику терцію, а відстань, що становить три півтони (або відповідно півтора тони), утворює малу терцію. Лад, утворений великий терцією, назвали мажором, лад, утворений малої терцією, – мінором. Ось звідки походять ці назви і що вони означають у теорії.
Мазурка. По-польськи mazurek або mazur означає “житель Мазовії” – однієї з польських областей. І за характером цей народний селянський танець не тільки задушевний, але молодецький і стрімкий, часом навіть войовничий.
Його тридольний ритм заснований на постійній суперечці між дробленою сильною долею і двома слабкими, але акцентованими. Такий жвавий і вільний ритм дає Мазурці зовсім відмінний від інших танців характер. Нестримно-веселі і витончено-примхливі, меланхолійні і пристрасно-трагічні, жартівливі і ніжно-ліричні – такі й багато інших ви знайдете в цілій “енциклопедії” фортепіанних мазурок Ф. Шопена.
Мазурки були відомі вже в XVI столітті. В XVII – вони вийшли за межі Мазовії. Спочатку селянський танець, мазурка вже в XVIII столітті зацікавила професійних європейських композиторів. Тоді й пізніше, протягом XIX століття, мазурка жила паралельно як побутовий танець (в XIX столітті – бальний) і як жанр інструментальної професійної музики. Її ритм був настільки популярний, що виявився в основі багатьох пісень і романсів минулого століття.
Марш. Французьке слово marche означає “ходьба”, “хід”, “рух вперед”. Загальне поняття “марш” – це спосіб строго розміреної ходи в строю, а також організоване пересування військ. Воно може включати, а може і не включати музичне оформлення. Однак у музикантів це слово стало позначенням жанру. Оскільки марш пов’язаний з ходою, а хода має парний ритм, то і ритм маршу (головна його ознака) завжди парний: 2/4, 4/4. Музика має властивість полегшувати людині одноманітні фізичні рухи.
Оскільки масові ходи людей організуються з різних приводів, існують і різні типи маршів. Серед одних тільки військових маршів є похідні, стройові, зустрічні, а різновидами стройових є колонний і фанфарний. Особливий вид маршу – похоронний або траурний. Нарешті, є марші парадні, святкові, церемоніальні, фізкультурні, молодіжні, марші людей різних професій і т. д.
Марш займає настільки велике місце в житті людини, що його інтонації як символи певних життєвих ситуацій глибоко увійшли в саму матерію музики – класичної, пісенної, популярної, завжди в ній впізнаються і впливають на її настрій. Марші займають важливе місце і в професійній музиці. Їх створюють як самостійні п’єси (таких маршів багато у В. А. Моцарта, Ф. Шуберта) і частіше – як окремі частини або фрагменти опер, балетів, циклічних інструментальних творів: сонат, сюїт тощо. Кілька улюблених маршів назве кожен. Напевно це буде “Весільний марш” Ф. Мендельсона з музики до комедії Шекспіра “Сон в літню ніч”, марш з опери Дж. Верді “Аїда” та ін.
Маестро. Буквально італійське слово maestro означає “майстер”. Однак воно вживається в міжнародному лексиконі як почесне величання великих артистів, як ще кажуть, “метрів”, композиторів, диригентів, співаків, піаністів, скрипалів, віолончелістів, живописців, а також майстрів-шахістів.
Мідні духові музичні інструменти. Труби, валторни, тромбони, туби та їх різновиди, зроблені з міді, латуні та інших сплавів, – об’єднуються цією загальною назвою. Вони володіють гучним, ясним і співучим звуком і важливі не тільки для духового оркестру, а й для симфонічного та джазового.
Однак ці інструменти відрізняються від дерев’яних не тільки матеріалом. Спосіб утворення звуку в дерев’яних духових здійснюється за допомогою тростини (маленької пластинки), вміщеної у вхідному отворі ствола. В мідних духових її роль виконують губи виконавця, а мундштук допомагає у формуванні звуку.
Майстерзінгер. ”Майстер-співак” – такий дослівний переклад німецького слова Meistersinger.
Майстерзінгери прийшли на зміну мінезінгерам – середньовічним поетам-співакам, авторам творів рицарської лірики XII-XIII століть. В XIV-XVI століттях в Німеччині виникла гільдія поетів-співаків з простого ремісничого середовища. Вони навіть об’єднувалися в літературно-співочі товариства (або школи) на зразок ремісничих цехів. Їхні пісні були спочатку лише духовного змісту, і тільки в XVI столітті сприйняли і світські теми. Співали їх без супроводу.
Мистецтво майстерзінгерів підпорядковувалося величезній кількості правил, але цінувалося також створення мелодій в нових, як вони називали, тонах, під якими, мабуть, малися на увазі лади. Велика регламентованість їх мистецтва дозволяла точно оцінювати майстерність співаків і виробляти в майстрів тільки справжніх професіоналів своєї справи. З кінця XVI століття це мистецтво стало занепадати і замінюватись новими формами музичного життя. В історії музики широко відоме ім’я одного з найбільших майстерзінгерів – Ганса Сакса, який створив понад чотири тисячі пісень.
Мистецтву майстерзінгерів присвятив свою оперу “Нюрнберзькі майстерзінгери” Ріхард Вагнер.
Мелізми. Грецьке слово melisma означає пісня, мелодія. Спочатку так стали називати уривки мелодії, виконувані на один склад тексту – звичайно, в тих випадках, коли на нього припадала не одна нота. З XVII століття ця назва вкоренилася в інструментальній музиці за мелодійними зворотами усталеною форми, котрі представляють собою прикрасу основної мелодії. Обороти ці не виписуються нотами, а показуються особливими значками. Найчастіше в музичних творах зустрічається форшлаг (по-німецьки Vorschlag – попередній удар). Ця прикраса позначається крихітної ноткою, написаної перед тією, до якої вона відноситься. Часто зустрічаються в музиці різних композиторів трелі. Назва ця походить від італійського trillare – деренчати, коливати. Записується трель буквами tr і хвилястою рисою за ними, і означає це, що ноту, над якою стоїть такий знак, і її верхню сусідню треба якнайшвидше чергувати стільки часу, якої тривалості вказана нота.
Існують і інші види мелізмів – группето, морденти прості, подвійні і перекреслені.
Менестрель. Це слово вам швидше за все відоме в контексті “вуличні співаки і музиканти” і при цьому виникає образ довговолосих “бременських музикантів”, веселих і безтурботних. І вже тим більше важко припустити хоч яку-небудь спільність між словами “менестрель” і … “міністр”.
А між тим те й інше походять від позьолатинського слова ministerialis, що означає “стоїть на службі”. Вуличний музикант на службі? – Здивуєтеся ви, але тим не менше це так.
Спочатку так називали в європейських країнах людей, що були на службі у феодала, а пізніше, менестрель – це мандрівний музикант-інструменталіст і співак, що знаходиться в службі у трубадура – теж музиканта, але ще вигадника віршів і композитора. Менестрель або повністю виконував пісні свого господаря, або акомпанував йому на струнному смичковому інструменті Віель. Поступово становище трубадурів і менестрелів зрівнялося, і ці слова стали синонімами. В епоху Відродження менестрелями називали також жонглерів та інших мандрівних артистів, музикантів. Багато хто з них складали танцювальну музику і акомпанували танцівникам.
Менует. ”Танець королів” і “король танців” – так жартували двісті років тому, бо менует був настільки ж популярний в XVII і XVIII століттях, як вальс – в XIX. Французьке слово menu означає “маленький”, “дрібний”, тобто танець, заснований на маленьких кроках.
Менует – старовинний французький народний танець, він походить від хороводів провінції Пуату. Як і багато народних танців, менует прижився при дворі французьких королів; і при Людовіку XIV, в середині XVII століття, перетворився на галантний аристократичний танець, стримані рухи якого базувалися переважно на манірних поклонах і реверансах. Розмір менуету завжди 3/4.
Своїми маленькими кроками менует швидко перетинав одну за одною кордони європейських країн, і вже на початку XVIII століття був популярний від Англії – до України, від палацу короля – до будиночка простої людини. Ритм і інтонації менуету пронизують європейську професійну та побутову музику всіх жанрів: від кантів – до симфонії і опери. Він пов’язав музику елітарну і демократичну, інструментальну і вокальну.
Меса. З точки зору музичних жанрів це хоровий твір з кількох частин на строго визначені по церковному ритуалу богослужіння тексти, хоча в широкому сенсі воно представляє собою головну службу в римсько-католицькій церкві, в якій основну частину текстів читають або речитативно розспівують.
Меса як духовно-музичний жанр з’явилася в середні віки, коли склалася система богослужінь у католицькій церкві. (В православній церкві аналогом меси є літургія). Ранні меси були одноголосні, їх музика створювалася на основі канонізованих мелодій григоріанського хоралу.
Починаючи з XIV століття стали з’являтися багатоголосні меси, а в XV столітті склалася та структура меси, яка прийнята і в даний час. У ній п’ять частин:
Найбільшими майстрами меси епохи Відродження були Дж. Палестрина, Жоскен Депре, О. Лассо, Г. Дюфаї, Дж. Габріелі і ін. Жанр меси був найбільш великим, монументальним, серйозним.
З розвитком опери та ораторії меса втратила своє провідне значення, проте в XVIII столітті були створені найбільші твори в цьому жанрі: “Висока меса” сі мінор Й. С. Баха, “Урочиста” меса Л. Бетховена, меси В. А. Моцарта, Ф. Шуберта, Л. Керубіні, А. Брукнера, Ф. Пуленка та ін.
Меценат. В останні роки це поняття майже замінилося синонімом “спонсор”. Слово “меценат” походить від імені римського державного діяча, який жив у I столітті до нашої ери і увійшов в історію тим, що щедро протегував поетам – Горацію, Вергілію і ін.
Меценатство виражається не тільки в допомозі конкретним творцям, але і в будівництві концертних залів, художніх галерей, театрів, оркестрів. У багатьох країнах в якості мецената виступає держава. Однак цього недостатньо. Тому в усьому світі багато процвітаючі фірми використовують частину прибутку на фінансування мистецтва, науки, медицини та інших видів невиробничої сфери.
Мініатюра. Це французьке слово походить від латинського minimum. В давнину так називали спеціальну червону фарбу – кіновар, за допомогою якої розписували заголовні букви в рукописних книгах. Ці літери не тільки розписували, на їх основі малювали цілі картинки, які служили ілюстраціями до книги. Пізніше мініатюрами називали невеликі живописні зображення на слонових кістках, раковинах, металі, на ювелірних прикрасах і т. д. І лише в XIX столітті це поняття поширилося на музичні та літературні жанри.
У музиці мініатюрою називають будь-яку невелику п’єсу, звучанням приблизно до п’яти хвилин. При цьому мініатюри можуть бути не тільки інструментальні і вокальні, а й оркестрові. До мініатюр відносять романси, прелюдії, ноктюрни, танці, етюди, програмні п’єси і т. Д. В концертній практиці мініатюри рідко виконують серед великих творів. Зазвичай їх об’єднують по якомусь загальному принципу. Композитори часто вибудовують мініатюри в цикли, щоб різноманітність п’єс були об’єднані якоюсь загальною композиційною або драматургійною логікою.
У жанрі мініатюри створено чимало справжніх шедеврів. Видатними майстрами музичної мініатюри були Шуберт і Шопен, Брамс і Гріг…
Мінезінгер. По-німецьки Minnesinger – співак любові. Мінезінгери – носії рицарської любовної лірики епохи середньовіччя. Поети-співаки, автори-виконавці, вони оспівували любов і лицарські звичаї. Пісні мінезінгерів звучали в Німеччині в XII-XIII століттях. У південно-східних краях їхні пісні відрізнялися безпосередністю, жвавістю. В північних, північно-західних областях мінезінгери культивували вишуканий і витончений стиль, поклонялися прекрасній дамі крізь призму містицизму і складної філософії. Мінезінгери були вільними художниками на відміну від майстерзінгерів (що прийшли їм на зміну) – професійних співаків.
Модуляція. Від латинського слова modulatio, що дослівно означає дотримання міри, розміреність, походить італійське modulazione, в перекладі – переливи голосу. В теорії музики слово «модуляція» означає перехід з однієї тональності в іншу. Модуляції можуть бути плавними, поступовими; можуть бути і різкими, несподіваними. Якщо нова тональність не фіксується надовго, а відбувається повернення до попередньої тональності, то така модуляція називається відхиленням.
Модуляція – дуже важливий, яскравий і барвистий виразний засіб у музиці.
Монодія. Це слово схоже на слово “мелодія” і не випадково. “Моно” грецькою один, єдиний. Монодія – одноголосна музика, яку можна співати або виконувати на інструменті. Як ви здогадалися, слово це давнє, як і рід такої музики. Наспів пастушої сопілки, найдавніший духовний спів, протяжна пісня дівчини, спів самотньої скрипки – тут все зосереджено на одній лише мелодії – чистій, відкритій, яка не ховається за безліччю різних інших звуків. В монодії, як і в античній скульптурі, гранична простота і природність. В них укладені досконалість і краса.
Мотет. Французьке слово motet походить від французького mot, що значить “слово”. Це один з найстаріших жанрів багатоголосої вокальної європейської музики, що народився в середньовіччі (XII століття), який зіграв величезну роль в епоху Відродження та залишився, нехай в одиничних зразках, в сучасній професійній музиці. Звичайно, музика мотету змінювалася відповідно до стилю епохи.
Треба відзначити, що ступінь складності тих древніх мотетів важко навіть уявити. В них з’єднувалися не просто різні мелодії, але кожна зі своїми словами, і навіть на різних мовах. Більш того, мелодії могли ставитися до різних жанрів: як до духовного, так і до світського, незалежно від того, духовним чи світським вважався той чи інший мотет (існували ті й інші). Проте це не було какофонією з випадково підібраних несхожих тем. Існувала певна композиційна техніка, яка об’єднувала мелодії мотету з музичним і поетичним змістом.
Отже, мотет – це жанр багатоголосої вокальної музики, в якому, як в лабораторії, на протязі декількох століть переплавлялися музика церковна і світська, вокальна та інструментальна (інструменти часто використовувалися в мотетах). Це було мистецтво дуже живе, творче, цікаве. Пишучи, виконуючи і слухаючи мотети, наші предки закладали фундамент європейської професійної музичної культури. Виникнувши в середовищі музикантів Собору Паризької Богоматері (їх імена, на жаль, не збереглися), мотет прищепився лише в країнах католицького віросповідання. Видатними майстрами мотету були Гійом де Машо, Жоскен Депре, Палестрина, Г. Шютц, Й. С. Бах.
Мотив. Це слово часто вживається в немузичного смислі, наприклад: “мотив політичного злочину”, або “невмотивований вчинок”, або “п’єса за мотивами народних казок” і т. д.
При цьому під мотивом розуміють щось, що призводить до тієї або іншої дії, є його причиною, або – у відношенні до літературних творів – сюжети, які можна вільно змінювати. Втім, сюжетні лінії літературного твору так чи інакше можна порівняти з темами музичних творів, мелодіями, які в побуті часто називають саме мотивами.
У музиці мотивом називають найменшу музичну побудова (зазвичай з двох або кількох нот), щось на зразок слова в мові. Звичайно, не будь-які кілька звуків складають мотив, як не будь-які кілька букв складають слово. І музичні звуки і букви повинен об’єднувати зміст. Який зміст може об’єднати звуки? – Запитаєте ви. Будь-яка виразна інтонація, характерний ритм. Зозуля прокувала – ось вам і мотив…
З покоління в покоління переходять всім зрозумілі інтонації скарги і подиху, переможних фанфар, запального танцю і т. д. Вони і складають виразну основу мотивів.
Мюзикл. Цей музично-сценічний жанр зазвичай відносять до сімейства музичних комедій і фігурує він поряд з оперетою, часто сприймаючись як її синонім.
Однак у мюзикла своя історія, своя географія і, отже, своя індивідуальність. Його батьківщина – США. Виникши з характерних для кінця минулого століття легких музично-театральних розважальних програм, він придбав самостійні риси в 1920-30-х роках. Незабаром, однак, на перший план вийшла музика, і він отримав свою нинішню назву “мюзикл”. Його класичним зразком став “Про тебе я співаю” Дж. Гершвіна. Будучи демократичним, мюзикл ввібрав в себе елементи джазу і фольклору. При цьому його музична мова була досить гострою і тяжіла скоріше до сучасної серйозної оперної музики (що, до речі, поєднується з джазом органічніше), ніж стара європейська оперета.
Кращі американські мюзикли, поставлені з великим професіоналізмом і розмахом на Бродвеї, екранізувалися і набували світової популярності. Такі “Оклахома” Р. Роджерса, “Загублений в зірках” К. Вайля, “Цілуй мене” Кет К. Портера та ін. Розвиваючись і вдосконалюючись, мюзикл досяг розквіту в 50-і роки. Саме тоді з’явилися знамениті “Моя прекрасна леді” Ф. Лоу і “Вестсайдська історія” Л. Бернстайна.
Проте починаючи з 60-х років лідируюче місце серед музичних стилів зайняла рок-музика. І поява рок-мюзиклу чи рок-опери в кінці 60-х років витіснило мюзикл в його колишньому розумінні. Іншою стала не тільки музика, а й сюжети, ідеї, вся атмосфера. Головним орієнтиром став “Ісус Христос – суперзірка” Е. Л. Уеббера. Зміна поколінь відбулася у всіх трьох ланках: композитор – виконавець – слухач.
Все це зовсім не означає, що жанр зійшов зі сцени. Але він оновився, став іншим. Мюзикл не завжди можна відрізнити від оперети або рок-опери.
Обертон. Проведемо цікавий дослід: беззвучно натисніть клавішу фортепіано і не відпускайте, а потім сильно вдарте і відпустіть клавішу октавою нижче (наприклад, тримайте до другої октави, а вдарте до першої). Узятий вами звук швидко згасне, але ще довго буде чути тихий, але виразний звук натиснутої вами клавіші.
Давайте розберемося, чому це відбувається. Ви напевно вже знаєте, що звук виникає в результаті коливання пружного тіла, в даному випадку – струни. Висота звуку залежить від довжини струни, та її натягу. Ви вдарили по клавіші. Затремтіла, завібрувала струна, почувся звук. Але коливається струна не тільки вся цілком. Вібрують всі її частини: половина, третина, чверть і так далі. Таким чином, одночасно чути не один звук, а цілий багатозвучний акорд. Тільки основний тон, найнижчий, чутний набагато краще за інших і сприймається вухом як єдиний.
Решта ж, утворені частинами струни і тому більш високі обертони (Oberton по-німецьки «верхній тон»), або гармонійні призвуки, доповнюють звучання, впливають на якість звуку – його тембр.
Всі ці гармонійні призвуки разом з основним тоном утворюють так званий натуральний звукоряд або шкалу обертонів, які нумеруються знизу вверх по порядку: перший звук – основний, другий октавою вище, третій – октава + чиста квінта, четвертий – октава + чиста квінта + чиста кварта (тобто на 2 октави вище основного) і т.д.
Набагато цікавіше, аніж на фортепіано, видобувають обертони на струнних інструментах – скрипці, віолончелі, гітарі та ін. Якщо смичком скрипки злегка доторкнутися пальцем до струни в тому місці, де вона ділиться навпіл або на третю, четверту і т. д. частину, то пролунає не основний звук, а більш високий обертон. На струнних такий звук називають флажолетом (або гармоніками) Він дуже ніжний, несильний, холоднуватого тембру. Композитори користуються флажолетами струнних як особливої фарбою, яка дуже збагачує технічні та виразні можливості інструменту.
Октава. Це музичний інтервал, що охоплює всі сім щаблів звичайного звукоряду, який включає дванадцять півтонів. Звуки, що утворюють октаву, по числу коливань співвідносяться 2: 4, тому вони зливаються. Візьміть дві ноти через октаву і почуєте, що звуки не суперечать один одному, а ніби зливаються. Людський слух розрізняє звуки в діапазоні семи октав.
Октет. Це камерний ансамбль, що складається з восьми музикантів, найчастіше інструментальний, хоча бувають вокальні та вокально-інструментальні. Склади можуть бути найрізноманітніші.
Октетом називається також жанр творів для восьми інструментів, подібно тріо, квартету, квінтету і т. д. Октети є у Ф. Мендельсона, Ф. Шуберта, П. Хіндеміта. Октети Й. Гайдна, В. А. Моцарта і молодого Л. Бетховена фактично нагадують дивертисменти і серенади.
Опера. Один з найпопулярніших жанрів класичної музики, який народився у кінці 16-го століття в Італії. Перші зразки носять назву “музична драма”. Та з часом музичний бік набуває все більшого значення. Першою оперою вважають “Еврідіка” Я. Пері та Дж. Каччіні. Більше про оперу…
Оркестр. Грецьке слово, яке в античні часи позначало спеціальну круглу площадку на сцені театру. На ній знаходився хор, який супроводжував трагедії своїм співом і ритмізованими виразними жестами.
Оркестр в нинішньому розумінні – це певний колектив музикантів-інструменталістів, які разом виконують музичний твір.
Шлях від майданчика античного театру до сучасного оркестру – це фактично шлях історії європейської музики.
Музиканти-інструменталісти об’єднувалися разом для музикування або виконання урочистої музики задовго до того, як оркестр сформувався як колектив, що відбулося лише в XVII столітті, коли виникла необхідність інструментального супроводу вокальних жанрів: опери, ораторії. Розвиток оркестру безпосередньо пов’язаний з постійним вдосконаленням музичних інструментів.
Але не тільки нові жанри і вдосконалені інструменти формували цей новий феномен музичного мислення, розвиток гармонії та поліфонії також безпосередньо впливає на формування структури оркестру. У XVIII столітті формується інструментальний кістяк оркестру – струнна група (скрипки, альти, віолончелі, контрабаси); дерев’яні духові (флейта, гобой, фагот, кларнет); з мідних були лише труби і валторна; ударні; чембало, за яким сидів капельмейстер та керував оркестром. Оркестри поділялися на оперні, концертні, церковні; відповідно варіювався їх склад. Звичайна кількість оркестрантів – 30-50 чоловік.
Протягом XIX і XX століть оркестр розвивався в усіх відношеннях. В нього поступово входили все нові і нові інструменти. Збільшилася і чисельність оркестрантів. Сучасний великий симфонічний оркестр містить до 100 чоловік. Стало більше і самих оркестрів. Якщо в XVIII столітті вони були тільки в Європі і обчислювалися кількома десятками, то тепер вони є в усіх частинах світу і їх налічується кілька тисяч. У сучасному оркестрі до традиційного складу можуть бути додані електронні інструменти і джаз-група, народні інструменти і запис, зроблений на магнітній стрічці.
Все, що до цих пір було сказано, відносилося до оркестру симфонічного. Однак існують і надзвичайно поширені духові оркестри і оркестри народних інструментів. Природно, що темброва однорідність, обмежені можливості інструментів і жанрові традиції диктують таким оркестрам свій репертуар (це зовсім не виключає можливості виконання різних перекладів). Так, якщо симфонічний оркестр виконує симфонічну музику, опери, балети, акомпанує солістам, то духовий оркестр виконує марші, танці та спеціально написану для нього музику, в тому числі і симфонії; оркестр народних інструментів виконує насамперед обробки народних пісень і танців, а також спеціально для нього вигадані п’єси.
Остінато. З італійської ostinato значить “завзятий”, “впертий”. При чому тут музика? Повторення якоїсь фрази, мотива, ритмічної фігури, невеликої мелодії – дуже типове явище в музиці різних часів і народів. Остинато насамперед характерне для танцювальної музики, оскільки пов’язане з моторикою, рухом, періодичністю.
Остінатність найбільш характерна для майстрів епохи бароко. Вони нерідко використовували повторювану мелодію в басу (basso ostinato) як основу композиції, “надбудовуючи” над нею різні варіації. Типова вона і для композиторів XX століття. На незмінно повторюваній ритмічній фігурі побудовано “Болеро” М. Равеля…
Пародія. Грецьке слово parodia складається з двох коренів: para – “проти” і ode – “пісня”, “спів”. Тому загальний широкий зміст його – “нова стара пісня”. Таким чином, пародія – це оновлення музики. Оскільки починаючи з XIX століття авторство музичної композиції стало незалежним, пародія як спосіб написання творів перестала існувати і залишилася лише в тому значенні кривого дзеркала, яке нам так добре знайоме сьогодні.
Для композиторів XVII-XVIII століть воно має на увазі всього лише спосіб складати нові твори на основі старих. І навіть не важливо чиїх: своїх чи чужих. І нічого ганебного в цьому не було. Справа в тому, що тоді, незважаючи на найвищі досягнення в галузі професійної композиції, – коли вже були Й. С. Бах, Г. Ф. Гендель, К. В. Глюк – ставлення до авторського професіоналізму ще зберігало психологію народних музикантів, не розрізняючи в музиці “своє” і “чуже”. З чужим можна було поводитись як зі своїм. Не було авторського права. Тому не могло бути й плагіату. Кожен міг взяти старий твір і замінити в ньому якусь частину музики, велику чи малу, залежно від обставин; пристосувати цей твір до іншого складу виконавців, до іншої нагоди. Так, мелодії протестантського хоралу, узаконені Лютером і записані з новим духовним текстом, не були новими. Багато з них в минулому були народними пісеньками. А Бах, в службові обов’язки якого входило написання кантат з різних приводів і в украй стислі терміни, за допомогою невеликого “маскараду” (підписати новий текст, трохи змінивши музику) швидко виходив зі скрутного становища.
Партесний спів. Красивий, стрункий та гармонійний церковний спів, що з’явився в Італії в епоху Відродження, зробив цікаву історичну подорож по Європі: Польща, Україна, Росія. Свою назву він отримав, мабуть, в Україні і походить від латинського слова pars, що означає “частина”, “участь”, а в музичному розумінні – партію учасника хору. У множині такі партії називаються partes. Для українських музикантів це було новинкою, оскільки до цього вони використовували тільки старовинний стиль церковної музики. Вона записувалася гаками і співалася або одноголосно, або з варіюванням окремими співаками основної мелодії. Партесний спів справив революційні зміни в розвитку української та російської музики і допомогло їй встати на європейський шлях розвитку.
Партита. ”Розділена на частини” – так перекладається італійське слово partita. Цікаво що, по-перше, цим словом користувалися не стільки італійські композитори (хоча увійшло воно в музику від них), як німецькі. По-друге, цією назвою німецькі композитори позначали два досить різних типи творів: сюїти і варіації. Те й інше представляє собою твір, розділений на частини, тільки в сюїті всі частини різні, а в варіаціях – в основному подібні.
Слово “партита” використовували в XVI-XVIII століттях до тих пір, поки сюїти і варіації були однаково популярні. А зникло воно з ужитку тоді, коли стара сюїта вийшла з моди, а варіації, що перетворилися в самостійний жанр, стали надзвичайно поширені в європейській музиці другої половини XVIII – першої половини XIX століть.
Історія партіти зробила саме звучання цього слова одним із символів давньої музики епохи бароко. Тому, коли композитори XX століття відновили багато з забутих традицій, з’явилися і сучасні партіти. Тепер це слово повністю рівнозначне слову “сюїта” і вживається виключно для різноманітності або з бажання направити думки слухача в глиб століть.
Партитура. П’єси для рояля чи акордеона записують на двох рядках: один для правої руки, інший для лівої. Твори для голосу або якогось інструмента з фортепіано пишуться на трьох рядках: верхня для голосу, скрипки, віолончелі і т. д., дві нижні – для фортепіано.
Але коли музику виконує струнний квартет, оркестр або навіть ще більший колектив: оркестр, хор і кілька солістів. Як бути в такому випадку? Не можна ж писати окремий рядок для кожного виконавця.
У кожному оркестрі багато однакових інструментів, наприклад, скрипок або віолончелей, а в хорі – однакових голосів. Для них достатньо одного нотного рядка.
Якщо на нотних рядках написати одну під одною партії різних інструментів, вийде те, що ми називаємо партитурою. На одній сторінці нотного паперу в двадцять чотири – тридцять рядків записується все, що грають разом інструменти, співає хор. Зрозуміло, що поміститися на такій сторінці можуть лише кілька тактів.
В партитурі партії всіх інструментів розміщені в строгому порядку. Внизу – рядки для струнних інструментів, над ними міститься група ударних, вище – мідні духові, ще вище – дерев’яні. Якщо у виконанні беруть участь хор і солісти, то рядки з їх партіями розміщуються під ударними, вище струнних інструментів.
І всередині кожної групи місця теж строго розподілені. Нижні рядки – для найнижчих інструментів групи: контрабасів у струнних, фагота – у дерев’яних, туби – у мідних. Чим вище рядок, тим вище «голос» інструменту.
Партія. У музиці слово «партія» має не одне, а два різних значення. З одним ви, напевно, стикалися. Під час концерту оголошують: «Партію фортепіано виконує …»; «Партію Хосе в опері “Кармен” виконав …» і так далі. Партією в цьому випадку називається складова частина музичного твору, що виконується одним музикантом або декількома – в унісон. Так, будь-який струнний квартет (мається на увазі квартет – твір) складається з партій першої скрипки, другої скрипки, альта і віолончелі. В операх у кожного соліста своя партія. В романсі ви чуєте партію голосу і партію фортепіано. З партій басів, тенорів, сопрано і альтів складається і хоровий твір.
Але можна почути й таку фразу: «Головна партія цієї сонати мені дуже сподобалася, а от побічна здається не такою вдалою». В даному випадку слово «партія» позначає один з розділів сонатної форми.
Пасаж. Слухаючи гру видатних музикантів, ви, напевно, не раз захоплювалися їх дивовижною технікою. У музичних творах є епізоди, де звуки линуть з величезною швидкістю. Здається, ніби вони розсипаються як перли або зливаються в один безперервний потік.
Такі місця в музиці називаються пасажами. У перекладі з французької passage означає прохід, перехід. Дійсно, виконуючи той чи інший пасаж, музикант, по-перше, немов переходить в дуже швидкому темпі з одного регістра свого інструменту в іншій, а по-друге, пасажі часто служать і для переходу від однієї музичної теми до наступної. У музиці XIX століття і в наші дні пасажів, які були б просто «переходами», залишилося мало. Композитори надають їм все більшу значущість, виразність, мелодійність. Пам’ятаєте, як починається «Політ джмеля» в опері Римського-Корсакова «Казка про царя Салтана»? Стрімким «свистячим» пасажем композитор зображує наздоганяючого корабель джмеля. Але в цьому «свисті» вкладена мелодія. Наскрізь пронизані прекрасними мелодіями пасажі фортепіанних творів Шопена…
Пассакалья. Загальний в романських мовах корінь pasar по-іспанськи означає “проходити”, а слово – calle – означає … “вулиця”. Отже, цей танець виник у зв’язку з традицією вуличних походів, що супроводжували роз’їзд гостей після закінчення святкування. Тому пассакалья завжди урочиста, в її ритмі відчувається крокування.
Як і інші старовинні танці, Пассакалью спіткала доля перетворення на жанр інструментальної музики. Це відбувалося в XVI столітті. Але на відміну, наприклад, від куранти чи сарабанди, пассакалья пережила найрізноманітніші стильові епохи і живе у творчості сучасних композиторів. Основу пассакальі становить, як правило, низхідна басова тема, яка багаторазово повторюється (її називають basso ostinato). При цьому верхні голоси різноманітно варіюються. Сама форма пассакальі поступово нагнітає динаміку і експресію, які зробили цей жанр особливо близьким до трагічного музичного змісту.
Яскраві зразки Пассакальї присутні у органній музиці старих майстрів (Д. Букстехуде, Г. Ф. Генделя, Й. С. Баха), а також у різних жанрах сучасної музики. У пассакальї є жанровий двійник. Це теж старовинний іспанський танець – чакона. Різниці між ними практично немає, крім того, що в Чаконі основна тема звучить не тільки в нижньому, а й у верхньому голосах.
Пастораль. По-латині pastor – пастух, pastoralis – пастуший. Пастораль стилізує ідилію сільського життя, невигадливу та життєрадісну любовну лірику пастухів і пастушок, сонячні картини природи, спокійні пейзажі з тваринами і т. д.
Велику популярність пасторалі отримали в епоху Відродження, вони могли бути у вигляді коротких драматичних сценок, невеликих опер, пантомім або балетів.
Дещо пізніше з’явилися інструментальні п’єси в жанрі пасторалі. Вони зазвичай написані в світлому і безтурботному характері, безпомилково передаючи той настрій, який дарує нам сонячний літній ранок в селі. Пасторалі можна зустріти у творчості Ф. Куперена і А. Вівальді, Й. С. Баха і Дж. Фрескобальді. У Л. Бетховена є “Пасторальна” (Шоста) симфонія…
Патетичний. Пристрасний, сповнений почуття, душевного підйому – з таким значенням увійшло це грецьке слово в європейські мови. Однак грецький словник вказує нам зовсім інше джерело: pathetikos походить від слова pathos, яке означає страждання, а також пафос, пристрасну наснагу.
Ця область почуттів і настроїв надзвичайно близька музикантам, ніщо так не передає їх, як музика. Можна навіть сказати, що для музики патетичні образи чи не найголовніші. Вони найбільш проникливі, миттєво захоплюють душу і серце людини. До шедеврів світової класики належать “Патетична” (Восьма) соната Л. ван Бетховена, “Патетичне тріо” М. І. Глінки, “Патетична” (Шоста) симфонія П. І. Чайковського…
Переклад. Поширена в музичній практиці обробка музичних творів для інших, ніж передбачено автором, виконавських складів. Наприклад, переклад симфонії для фортепіано в чотири руки, переклад хорового твору для інструментального ансамблю і т. д. Переклади зазвичай роблять на рівноцінний за кількістю виконавців склад, або на менший. Якщо ж виконавські засоби посилюються, розвиваючи вихідний матеріал, то в цих випадках говорять: “обробка”, “аранжування”, “оркестровка”. З усіх видів роботи з матеріалом до поняття “переклад” ближче “транскрипція”.
Піаніно. Зменшувальне від piano, ця назва увійшла в практику відразу при винаході інструменту. У 1800 році його сконструював американець Дж. Хокінс, в 1801 – австрієць М. Мюллер і в 1802 – англієць Т. Лауд. Настільки велика була потреба в портативному фортепіано, що не вимагає стільки місця в кімнаті, скільки займає рояль. Економія місця здійснюється за рахунок того, що струни розташовані не горизонтально, а вертикально. При такій конструкції, звичайно, зменшилася сила звуку. Але вона й не потрібна в кімнаті, в побуті, для занать, де зазвичай користуються піаніно.
Пікколо.Piccolo з італійської означає “маленький”. Це слово додають до назв найменших інструментів з сімейств, наприклад – скрипок, кларнетів, флейт і т. д. Частіше можна чути про флейту пікколо, яка входить до складу симфонічного оркестру.
Піццікато. Це щипання струн. У нотах позначають pizzicato або скорочено pizz. Звук виходить легкий, повітряний, загадковий. На таких інструментах, як арфа, лютня або гітара (їх називають струнними щипковими), можна грати тільки щипком. В джазі на контрабасі теж грають переважно піццікато. А ось на струнних смичкових – скрипці, альті, віолончелі, де в основному грають смичком, піццікато звучить як особливий, дуже виразний прийом.
Завдяки враженню легкості, “стрибучості” піцикато його часто використовували в класичному балеті. Цей прийом асоціюється з легким бігом балерини на пуантах. Тому в балетах є окремі фрагменти, які так і називаються – піццікато.
Поліфонія. Буквально це означає багатоголосся. І хоча в музиці ми, як правило, чуємо багато звуків, багато голосів, проте не завжди вона поліфонічна.
Поліфонія – це принцип музичного мислення, при якому всі голоси музичної тканини абсолютно рівноправні. Кожен з них веде однаково важливу мелодію. Немає головних і підлеглих.
Поліфонічну музику складають за правилами. Найбільш поширене і зручне правило в поліфонії – це імітація. Імітація – це наслідування, підроблення. Один голос проспівав або програв невелику мелодійну тему – інший її повторив. На цьому і будується більшість поліфонічних творів. Зрозуміло, що все не так примітивно. По-перше, голосів може бути скільки завгодно (хоч весь оркестр або хор). По-друге, голос, який тему вже виконав, не замовкає. Він продовжує свою лінію – більш коректно, менше залучаючи до себе увагу, ніби відійшовши в тінь. Ця музика другого плану називається протискладненням. Через деякий час, коли всі голоси висловляться, перший голос знову бере слово, тобто проводить тему. Так відбувається неодноразово: голоси вступають в будь-якому порядку, звучать, на якийсь час змовкають, щоб знову вступити в розмову. Складні поліфонічні форми подібні до архітектурних конструкцій.
Де можна почути поліфонію? В фузі Й. С. Баха і в духовному хоровому концерті Д.Бортнянского, в сонаті Л. Бетховена… Були й популярні до цих пір спеціальні поліфонічні жанри: мотет, ричеркар, пассакалья, чакона, фуга, інвенція. Але композитори широко користуються поліфонією і в будь-яких інших жанрах, якщо цього вимагає внутрішній сюжет музичного твору.
Полонез. Цього чудовому, величному танцю дали назву французи. Polonais по-французьки означає “польський”. Якщо для більшості старовинних танців характерний поступовий перехід в чисто інструментальну музику, а потім – забуття жанру, то історичний шлях полонезу був динамічним. Його витоки – в селянському урочистому і статечному танці-ході, яким супроводжувався відхід селян з польових робіт. Танець був чисто чоловічий, чотиридольний. Популярний він був і в шляхетському середовищі, однак там його характер був іншим – войовничим. Мабуть, до кінця XVII століття полонез набув того ритму, який і став його відмінною рисою. Це тридольний ритм з роздробленою першою долею, завдяки чому в полонезі дивним чином поєднуються граціозність танцю з твердістю маршу.
У XVIII столітті полонез досить широко увійшов в інструментальну музику. Однак його не перестали танцювати. Танцювальний і інструментальний полонези впливали один на одного і розширювали свої виразні можливості.
Неперевершеною вершиною жанру стали фортепіанні полонези Ф. Шопена. Це цілі поеми, в них відчувається потужний вплив оркестрового письма. Гордовиті і рицарські, блискучі і трагічні, вони були не просто глибоко особистими творами композитора, але стали символами Польщі.
Полька. Дуже легко помилитися, вважаючи, що цей веселий, простий і в недавньому минулому дуже популярний танець – польського походження. Така гіпотеза є. Але якщо полька і прийшла з Польщі, то не до нас, а до чехів. І танець цей насправді чеський. У чеській мові теж є слово “полька” (точніше “пулка”), але воно означає половину, точніше – півкроку. Можливо, що назва відображає колись прийняті в цьому танці рухи.
За характером полька близька до екосезів, кадрилі, контрдансу. В XIX столітті вона була одним з улюблених бальних танців у всій Європі.
Попурі. Цей музичний термін запозичений з… кулінарії. Справді: французи з давніх-давен користуються репутацією кращих кухарів світу. Так от по-французьки pot-pourri – збірне блюдо. По-іншому – суміш. А що ж це за «збірне блюдо» в музиці?
Попурі – п’єса, досить велика за розмірами, найчастіше – оркестрова чи інструментальна, складена з запозичених мелодій. Існують попурі на теми відомих опер та оперет, балетів, на теми популярних пісень, кінофільмів та ін.
Поема. Аж ніяк не маючи намір відбирати у літератури цей чудовий жанр, музиканти проте не втрималися від того, щоб іноді називати поемами свої п’єси. І це зовсім не виглядає надуманим. Бурхливий сюжетний розвиток, підвищена емоційність, велика частка фантазії, виразна лірика – всі ці властивості літературної поеми надзвичайно музичні. І їх розкриття засобами інструментальної музики закладене в природі цього поетичного жанру. Музичні поеми зазвичай звучать на одному диханні, їм властиві велике внутрішнє хвилювання, пристрасність, мрійливість. Цей жанр виник в романтичному XIX столітті, і прекрасні його зразки є у творчості Ф. Ліста (він став основоположником жанру симфонічної поеми і створив у цьому жанрі 13 творів), 3. Фібіха (“Поема” для скрипки і фортепіано) та ін.
Примадонна. Головна співачка в оперному театрі чи в опереті, виконуюча перші ролі, так і називається primadonna, тобто “перша дама”.
Приспів. Це частина пісні, яка слідує за заспівом. Якщо в заспіві слова змінюються, то в приспівах залишаються постійними. Якщо ви помітили, ми часто запам’ятовуємо пісню саме по приспіву. І не тільки завдяки його багаторазовим повторенням. Музика приспіву зазвичай буває яскравішою, а в його повторюваних словах полягає основна думка тексту.
Програмна музика. Музика має здатність виражати певні настрої людей і зображати багато дій, явищ оточуючого світу: спів птахів, рух хвиль, цокання годинника, відлуння, стукіт коліс, краплі дощу і т. д. Тому ще в давнину, а в новий час – з початку XVIII століття – з’являлися твори, названі тими образами і сюжетами, які представляв композитор, пишучи музику. Такі твори називаються програмними. І композитори, і виконавці, і слухачі люблять програмну музику, таких творів існує безліч.
Пролог. Це вступ, який передує у виставі або у святі. В опері пролог не слід плутати з увертюрою, яка є інструментальним вступом.
У пролозі показано дія, яка служить причиною подальших подій.
Псалми. Псалмами древні греки спочатку називали спів під акомпанемент струнного інструменту, а пізніше – хвалебну пісню, гімн. Саме це грецьке слово згодом стало назвою древньоєврейських релігійно-поетичних гімнів, написаних впродовж XIII-V століть до нашої ери, авторство яких приписують царю Давиду. 150 псалмів увійшли в Біблію, а разом з нею і в християнську релігію і культуру. За змістом вони різні, хоча групуються на кілька основних тем: вихваляння Бога, благання, покаяння, скарги на ворогів і кривдників, оспівування природи і світобудови.
Протягом всієї історії існування псалмів їх перекладали на музику. У біблійні часи і в першому тисячолітті нашої ери це були одноголосні мелодії, псалмодії, а з розвитком багатоголосся – відповідно багатоголосні твори різних стилів і ступенів складності: від простих триголосних псальм, призначених для співу в домашньому побуті, до складних багатохорних урочистих концертів, якими прикрашалися великі церковні і державні свята і церемонії.
Видатні українські композитори, творці хорового духовного концерту (більшість текстів яких – псалми) – Д.Бортнянський, М.Березовський, А.Ведель.
Пульт. Задовго до того, як німецьке слово Pult стало вживатися як центр управління приладами технічно складних систем, воно було відоме у значенні підмостків, тобто похилої підставки для книг і нот. Ними зараз користуються багато школярів. А у музикантів є спеціальні пульти на ніжках. Їх ставлять перед стільцем, на якому сидить інструменталіст.
Диригентський пульт – більш масивний, на ньому повинні вміщатися і надійно лежати великі партитури. Бувають і складні пульти, вони зручні для перевезення і займають мало місця.
П’єса. Коли кажуть “п’єса” по відношенню до театру, мають на увазі масштабний драматичний твір. У музиці ж п’єсами називають невеликі твори, зазвичай камерно-інструментальні, хоча п’єси бувають і оркестрові, вокальні, естрадні тощо.
Рапсодія. Буквально грецьке слово rhapsodia значить “пісня рапсода”. А слово “рапсод” в свою чергу складається з двох слів: rhapto – “зшиваю” і ode – “пісня”. Рапсоди – це давньогрецькі співаки-оповідачі, про них ми знаємо з легенд і міфів.
Рапсодія як жанр з’явилася в кінці XVIII століття. І німецький композитор Данієль Шубарт, який придумав його в 1786 році для своїх пісень і п’єс, зробив стилізацію під античність, мабуть, під впливом моди на цей стиль, поширеної в ті роки по всій Європі.
Гарна назва прищепилася. Але в XIX столітті під словом “рапсодія” закріпився певний тип інструментальних п’єс, заснованих на темах народних пісень і танців. Для рапсодій композитори зазвичай вибирають теми яскраві, красиві, контрастні і обробляли їх у віртуозному концертному стилі. Такі популярні “Угорські рапсодії” Ф. Ліста, “Слов’янські рапсодії” А. Дворжака, “Іспанська рапсодія” М. Равеля, “Рапсодія в блюзових тонах” Дж. Гершвіна та ін.
Реверберація. Позньолатинське слово reverberatio, що означає відображення, застосовується як термін, пов’язаний з рухом звуку. Ефект відлуння може бути багатократним, якщо простір закрито з декількох сторін, і відбитий звук знову і знову повертається, поки не розсіється. У приміщеннях же окремі численні відлуння зливаються в суцільний відгомін, який і називається реверберацією. Реверберація може бути настільки сильною, що заглушає наступні звуки і зливається з ними. Так зазвичай буває на вокзалах, де встановлені занадто потужні для таких приміщень гучномовці.
Однак для концертних приміщень невелика реверберація (її сила піддається виміру в спеціальних показниках) необхідна. Музичний звук при ній набуває об’ємності, польотності, проникливості. Не випадково в церквах і соборах є купола. Потрапляючи в них, звук реверберує, його емоційний вплив багаторазово посилюється.
Ревю. По-французьки revue буквально означає “огляд”. Це естрадно-розважальний жанр, що включає в себе елементи оперети та балету, цирку і вар’єте. Постійне, хоча і не дуже значне місце в ньому належить музиці – пісні, естрадно-танцювальним номерам. Жанр ревю виник у Франції ще на початку XVIII століття. Світове поширення він отримав лише з кінця XIX століття. Його різновиди – музичне шоу, музичний огляд і т. д. По суті, тим же ревю є мюзик-хол.
Регент. Це слово більш відоме в області історії. Регент – це тимчасовий правитель держави замість монарха (у випадках його тривалої відсутності, хвороби або неповнолітнього віку). По-латині regens значить “правлячий”. Однак слово “регент” має пряме відношення і до музики. Так називають диригентів церковних хорів, а раніше – хорів взагалі.
Регістр. Реєстр – значить вести список, облік. Такий же зміст слова “реєстр” для багатьох людей, що займаються діловодством. Що ж до музичних справ, то регістр тут – це частина загального діапазону якого-небудь музичного інструменту або співочого голосу. Причому частина не будь-яка, а така, яка об’єднує звуки одного забарвлення – тембру. Наприклад, на роялі найнижча частина басових звуків володіє об’ємним басовитим дзвоном. А інша частина низьких звуків, але вищих, має співучий, але менш дзвінкий тембр. Найвищі звуки фортепіанного діапазону наділені скляним тембром. Нижчі – навпаки, м’яким. І так далі. Частини діапазону, різні за тембром звуків, називаються регістрами.
У органа його численні труби поділяють на групи певної конструкції і тембру. Вони утворюють регістри, що нагадують за тембром різні духові інструменти.
Регтайм. Rag по-англійськи значить “ганчір’я”, “лахміття”, “обривок”, “груба насмішка”, “скандал” і т. д., time – час. Безладний, нерівномірний, “рваний”, але дуже темпераментний, запальний ритм народився в музикуванні північноамериканських негрів в кавярнях і танцювальних залах наприкінці минулого століття. На початку нашого століття фортепіанні, але іноді й оркестрові п’єси отримали деяке поширення в професійній музиці, але головне, до чого вів регтайм – це джаз. Його ритмічна гострота, розбіжність акцентів, блискуча переливчатость пасажів і жорсткі акорди – все це народилося в регтайм.
Деякий час після першої світової війни регтайм був модний як салонний танець. Від нього відбулися й інші танці, в тому числі фокстрот.
Ритм регтайму дуже активно увійшов у професійну музику. Приклад цьому подав А. Дворжак в творах на американську тематику: в симфонії “З нового світу” і в струнному “Американському” квартеті в 1890-х роках…
Резонанс. Музичний звук виникає при коливанні струни або стовпа повітря. Але цей звук стає набагато потужнішим, соковитішим і об’ємнішим, якщо інструмент зконструйований так, що коливання одного предмета викликає близьке за частотою коливання іншого тіла. Resonans на латині означає “що дає відгомін”. Він виникає, якщо поряд з джерелом звуку є резонатор.
Ви ніколи не замислювалися над тим, навіщо скрипці дерев’яний корпус, якщо грають тільки на струнах? А чому секрет знаменитих італійських скрипок шукають саме в дереві і у формі корпусу, а не в струнах? Тому що корпус і є резонатор. Від нього залежить якість звуку.
Реквієм. Requiem по-латині означає “спокій”. Це заупокійна траурна меса, прийнята в католицькому богослужінні ще в епоху середньовіччя. Присвячена пам’яті померлих, вона виконується на сороковий день після смерті. Молитва за душу померлої людини, горе оплакуючих – все це виражається в скорботній, ліричній, стримано-шляхетній музиці. Стиль реквієма, як і всіх богослужбових співів у християнській церкві, розвивався від одноголосної монодії – до пишного багатоголосся, із залученням інструментального (ансамблевого, органного, оркестрового) супроводу. Структура реквієму включає такі частини:
- Requiem aeternam dona eis, Domine (Спокій вічний дай їм, Господи)
- Kyrie eleison (Господи, помилуй)
- Dies Irae (День гніву)
- Domine Iesu Christe (Господи Ісусе)
- Lacrymosa (Слізна),
- Sanctus (Свят)
- Lux aeterna (Вічне світло)
Поступово, починаючи з XIX століття реквієм перестали ставити тільки до церковної служби і почали виконувати в концертних залах. Вільнішим став і текст реквієму, в нього крім латинського канонічного (або замість нього) стали включати інший духовний або світський поетичний текст. Але, незважаючи на численні зміни, реквієм залишився жанром високої, скорботно-трагічної музики.
Найбільш часто виконують “Реквієм” В. А. Моцарта, “Реквієм” Дж. Верді, “Німецький реквієм” Й. Брамса, “Реквієм” Г. Берліоза, присвячений пам’яті жертв Липневої революції 1830 року.
Репетиція. Repetitio по-латині означає повторення.
Однак слово “репетиція” прищепилося насамперед у театрально-концертній справі як попереднє, пробне виконання. Генеральна репетиція – остання репетиція перед прем’єрою, яка проходить, по суті, вже як справжнє публічне виконання.
Є в музиці ще одне значення цього терміна: швидке повторення одного і того ж звуку (зазвичай на фортепіано).
Реприза. Слово reprise перекладається з французької як повторення, відновлення, поновлення. У музиці воно має кілька різних відтінків.
У нотах часто можна зустріти такий запис – товста лінія – тонка лінія – дві крапки. Ці значки вказують, що розділ, в бік якого звернені дві крапки, потрібно повторити. І таке повторення і знаки називаються репризою.
В сонатної формі реприза – це останній з трьох її основних розділів. Вона наступає після розробки. В репризі всі музичні теми, вже знайомі по експозиції, проходять в одній – головній – тональності твору. Іноді реприза сонатної форми буває незвичайною, «ненормативною», як кажуть музиканти. Наприклад, в ній спочатку звучить побічна партія, а потім вже головна. Таку репризу називають дзеркальною. Може бути реприза і скороченою.
Іноді репризою називають заключну частину фуги. По суті це неточно, так як музичний матеріал, хоча і той же самий, зазвичай буває там розташований по-іншому.
Реприза в тричастинній формі – це повторення початкового розділу після якогось, зазвичай контрастного, середнього епізоду. Нарешті, у формі рондо поняття репризи збігається з рефреном.
Рефрен. Зберігся переказ, що в Стародавньому Римі один з членів Сенату кожен свій виступ, на яку б тему він не був, закінчував словами: «Крім того, я вважаю, що Карфаген повинен бути зруйнований». Ці слова можна визначити як незмінний рефрен всіх його промов.
Що ж означає слово рефрен (по-французьки refrain – приспів)? Так прийнято називати розділ музичного твору, який абсолютно без всяких змін повторюється не менше трьох разів. Синонім рефрену – приспів у пісні. Саме ж слово «рефрен» застосовується, як правило, по відношенню до форми рондо, яка веде своє походження від куплетної пісні.
Не потрібно плутати рефрен з репризою. Вони схожі, але реприза, хоча і звучить як повторення експозиції, іноді є повторенням неточним і, крім того, не утворює триразового повторення.
Речитатив. Це вид співу, зазвичай оперного, близького до розмовної мови. Саме слово походить від від латинського recitare, що значить “читати вголос”, “розповідати” або “декламувати”.
В опері речитативи зазвичай межують зі співучими вокальними номерами. Саме на них падає найбільше смислове навантаження, оскільки в аріях, ансамблях та хорах слова важче розібрати, тим більше, що головне в них – музика. Речитативи теж виразні, але їх основна функція – передати зміст дії.
У міру того, як змінювалися оперні стилі, ставали іншими і речитативи. Так, в XVIII столітті велика частина речитативів писалася в манері secco, що значить “сухий”, тобто говіркою і з мінімальним супроводом клавесина. Рідше використовувалися більш виразні акомпановані речитативи: розпівування, з оркестровим супроводом. Вони стали основними в операх XIX століття. Більш того, чим безперервнішоюе і динамічнішою була музична дія, тим більше речитатив наближався до співу, переходячи навіть в аріозо.
Рігодон. Колись популярний хороводний танець південних французских провінцій, відомий з початку XVII століття, до кінця цього століття вже міцно прижився при дворі в якості одного з урочистих танців. Однак і його спіткала доля багатьох танців, які з плином часу ставали виключно інструментальними п’єсами, увіковічненими в інструментальних сюїтах. Хоча автори французьких балетів і опер – Ж. Ф. Рамо, Ж.Б.Люллі та інші – включали його в балетні дивертисменти.
Рондо. По-французьки rondeau означає “круглий”. Серед маси предметів і явищ, пов’язаних з колами, круговими рухами і всілякими округлостями і позначати однокореневі словами, є й слово “хоровод”, яке у Франції, як і в багатьох інших країнах, пов’язано з народним танцем. Недарма кажуть “кружляти в хороводі”, тобто робити коло і повертатися на вихідну точку. Ця схема перейшла з хороводів в поезію (де “рондо” називаються вірші з періодичними повторами слів або віршів) і музику.
В музичному рондо головна тема багаторазово повторюється, перемежовуючись з іншими, які весь час змінюються. Якщо головну тему, звану рефреном, позначити буквою А, а епізоди – іншими буквами, то загальна схема рондо буде такою: A-B-A-C-A-D-A і т.д. Частин в рондо може бути не менше п’яти і, як правило, не більше дев’яти.
Рондо – це і жанр інструментальної музики, переважно легко-танцювального характеру, і форма музичної композиції, яка використовується в симфонічній, концертно-інструментальній, камерно-вокальній музиці. Форму рондо часто мають фінали сонат і симфоній, а іноді навіть цілі сцени в операх і в балетах…
Рояль. Royal по-французьки означає “королівський”, “царський”. Коли дрезденський майстер Й. Вагнер сконструював в 1774 році фортепіано з трьома педалями і регістрами і побачив, які можливості приховує у собі новий інструмент, він назвав його королівським клавесином (“клавесин-рояль”). У нового фортепіано виявилося блискуче майбутнє, і назва “рояль” закріпилася за ним назавжди.
Таким чином, цей струнний ударно-клавішний інструмент має найбільшу (порівняно з іншими різновидами фортепіано) силу звучання, максимальний діапазон і настільки розвинену механіку, яка дозволяє відтворювати нарізноманітніші за характером звуки. Струни у рояля натягнуті горизонтально, а його корпус має форму крила, оскільки струни різної довжини: низькі – довгі, високі – короткі. Струни натягнуті на раму, яку раніше робили з дерева, а з середини XIX століття – з литого чавуну, так як загальна сила натягу струн становить… 20 тон.
В даний час існує декілька типів роялів: великі концертні, салонні, кабінетні і “міньйон”.
Сарабанда. Історія походження цього старовинного іспанського танцю до кінця не розкрита. Судячи з деяких даних, він виник під впливом не тільки андалузьких, але також арабських і мексиканських народних танців. Більш того, довгий час існували два різновиди сарабанди: швидка і повільна.
На початку XVII століття сарабанда – придворний танець в Іспанії та Франції. Її характер став урочистим, величним. У XVIII столітті, як і багатьох інших європейських танців, сарабанда увійшла в інструментальну сюїту.
Ритм сарабанди тридольний, для нього характерна синкопа на другій долі. Цей ритм пережив і сам танець і його друге – сюїтне – життя. Його можна почути в творах XIX і XX століть. Він надає музичним образам суворість, стриманість, трохи похмуру урочистість.
Класичні сарабанди можна зустріти в інструментальних сюїтах Г. Ф. Генделя та Й. С. Баха. В якості стилізації ритм сарабанди використовувався, наприклад, Бетховеном в музиці до трагедії Й. Гете “Егмонт”.
Серенада. Серенадами називали твори, які виконували ввечері або вночі на вулиці (італійський вислів al sereno означає «на відкритому повітрі») перед будинком того, кому серенада присвячувалася. Найчастіше – перед балконом прекрасної дами.
Зародилася серенада на півдні Європи, під теплим синім небом Італії та Іспанії. Там вона була неодмінною частиною життя міста. То з одного, то з іншого вулиці майже завжди долинали звуки музики – найчастіше дзвін лютні або гітари, спів. Недарма опера Россіні «Севільський цирульник», з таким блиском втілила сцени іспанського життя, починається саме серенадою. Серенадою графа Альмавіви, який співає, у супроводі найманих музикантів, під вікном чарівною Розіни.
В XVII – XVIII століттях серенадами називалися і сюїти для невеликого оркестру, що виконувалися також на відкритому повітрі. Як правило, композитори писали їх на замовлення знатних осіб. Такі серенади писали Гайдн, Моцарт.
Дуже популярна Серенада Франца Шуберта («Пісне моя, лети з мольбою тихо в нічний час…»)…
Синкопа. Це дуже поширений в музиці прийом, при якому очікуваний нами по інерції ритмічний малюнок раптом зміщується. Слабка доля акцентується, а сильна слідом за нею пропадає. Або після звичайної сильної долі наступає акцентована слабка. Ритмічний збій, конфлікт, асиметрія створюють в музиці напругу, гостроту, особливу виразність.
Саме слово “синкопа” грецькою означає “скорочення”, “усічення”. В музику воно прийшло з лінгвістики, де позначає скорочення слова за рахунок пропуску звуку. У медицині синкопою називають глибоку непритомність, викликану раптовим занепадом серцевої діяльності.
Таким чином, у всіх випадках синкопа означає порушення регулярності ритмічних акцентів.
Синтезатор. Можливість здійснення синтезу звуку будь-якого заданого тембру за допомогою ЕОМ (“електронно-обчислювальної машини” – тобто комп’ютера) привела до створення в 1960-х роках нового електронного інструменту – синтезатора. Синтезатор може імітувати тембри традиційних інструментів, формувати нові, а також виробляти всілякі шумові ефекти. З його допомогою можливо гранично достовірно відтворити звучання повної симфонічної партитури. Синтезатор незамінний у рок-музиці, сучасних стилях джазу, електронній музиці, в кіномузиці, все частіше він використовується і в академічних жанрах, але, як правило, в поєднанні з традиційними інструментами.
Сиціліана Старовинний сицилійський народний танець, здобув загальну любов в країнах Європи в XVII-XVIII століттях. Його ритміка (у розмірі 6/8 або 12/8 пунктир всередині кожної фігури з трьох восьмих) відрізняється особливим поєднанням м’якості і граціозною пікантності, а мелодика – ніжністю і простодушної кокетливістю. Танець давно не танцюють, але дізнатися характерні риси Сиціліани можна в багатьох вокальних та інструментальних творах XVIII – XX століть. Ритм Сиціліани особливо часто звучить у творах Й. С. Баха і В. А. Моцарта. Читати більше про сиціліану…
Скерцо. Італійське слово scherzo в перекладі – жарт. Здавна воно прищепилося в музиці для позначення її характеру – жвавого, веселого, жартівливого. Бетховен ввів назву скерцо для однієї з середніх частин симфонії замість традиційного раніше менуету. А в середині XIX століття композитори стали називати так і самостійні п’єси, причому не тільки жартівливі, але іноді й драматичні. Так, широко відомі скерцо Шопена – фортепіанні п’єси, що вирізняються багатством образів, різноманітністю змісту.
Скоморохи. Так в древній Руси-Україні називали народних акторів, мандрівників, які розважали людей своїм співом і танцями, грою на інструментах і акробатичними трюками, злободенними жартами та серйозними оповідями. В їхньому мистецтві закарбувалось все найбільш живе і життєздатне, що було в народній культурі.
Співзвуччя. Це одночасне поєднання кількох музичних звуків. Всі співзвуччя діляться на консонанси і дисонанси (дивіться відповідні статті). Співзвуччя з двох звуків називається інтервалом, з більшої кількості – акордом.
Соліст. Це слово походить від італійського solo, що значить один, єдиний. Так називають музиканта, який може виступати один.
Нерідко в оркестровому або в хоровому творі існують фрагменти, написані для одного виконавця. Їх грають (або співають) кращі артисти колективу.
Сольфеджіо. Італійське слово solfeggio (правильніше воно читається – сольфеджо) походить від слова solfo, що значить – ноти, музичні знаки, гама. У музикантів так прийнято називати уроки, на яких займаються розвитком слуху: пишуть музичні диктанти, визначають на слух різні інтервали і акорди, співають по нотах мелодії – спочатку одноголосні, а потім і більш складні, дво-і триголосні. Такий спів нот з проголошенням їх назв називається сольфеджуванням. Збірник нот, призначених для сольфеджування, так само, як і навчальна дисципліна, називається сольфеджіо.
Сопрано. Це найвищий жіночий голос. Слово походить від італійського sopra, що означає “над, понад, правіше”. Порівняйте його з добре вам знайомим англійським словом super і запам’ятайте його.
Сопрано – найпоширеніший жіночий голос. Серед відомих голосів сопрано – Б. Нільсон, Р. Тебальді, С.Крушельницька та ін.
Спірічуел. Це духовні пісні американських негрів-рабів. Сама назва походить від англійського spiritual, що значить духовний (spiritus по-латині – дух). Існуючи на чужій землі, служачи чужим господарям і віруючи в чужого бога, вони вклали в ці пісні всю свою біль і страждання. Тексти спірічуелів в основному біблійні, однак вони трансформовані в дусі негритянського фольклору. Те ж відбулося і в музиці. Мелодії протестантських гімнів і англо-кельтських балад, щеплені “білою” Америкою, з’єдналися з негритянськими музичними традиціями.
Спірічуели співали хором а капела, і лише пізніше, в кінці XIX століття, виникла традиція їх сольного виконання під акомпанемент банджо. З того часу обидві традиції розвиваються паралельно. Стилістика цього жанру увійшла і в професійну музику. Спірічуел можна почути в симфонії А. Дворжака “З Нового Світу”, в опері Дж. Гершвіна “Поргі і Бес”.
Стиль музичний. Буквально по-грецьки означаючи паличку для письма у стародавніх греків (stylos), це слово набуло широке переносне значення почерку, зокрема авторського, тобто сукупності характерних рис, прийомів, способів, особливостей творчості.
У музиці, як і в інших видах художньої діяльності, поняття стилю вживають у різних планах: великому – стиль епохи, більш конкретному – стиль автора, ще більш вузькому – стиль твору. При цьому існує ще стиль жанру, стиль творчого мистецького спрямування.
Немає таких елементів, які б не брали участь у формуванні стилю того чи іншого виду мистецтва. Однак одні й ті ж елементи часто повторюються в найрізноманітніших стилях. Лад, мелодія, ритм – в найпростіших своїх формах – повторюються в музиці Баха і Вагнера. Однак стиль визначається не конкретними елементами, а їх співвідношенням, що утворюють складну внутрішню і неповторну систему. Коли ви заробите певний слуховий дослід, то відчуєте, що чітко відрізняєте стилі: спочатку окремих епох, потім композиторів, а потім і окремих творів.
Стрій. У музиці це певна, внутрішньо логічна система співвідношень звуків по висоті.
Строєм також називають ступінь чистоти звучання інструменту чи ансамблю, звукоряд інструментів і іноді лад.
Струнні музичні інструменти. Кожен інструмент, в якому джерелом звуку є струна, – відноситься до струнних. Тому в даній групі присутні арфа і гуслі, скрипка і клавесин, рояль, гітара, контрабас, цимбали… Найчастіше струни натягнуті вздовж дерев’яного корпусу, який служить резонатором. Від його форми і матеріалу залежать тембр, тривалість і гучність звуку.
При всьому своєму різноманітті струнні інструменти класифікуються на три види: щипкові, смичкові та клавішні, тому що є тільки три способи впливу на струну для виникнення звуку. У щипкових струни защипують пальцем або плектром; у смичкових звук виникає при терті смичка до струни; є цілий ряд прийомів ударом по струнах: пальцями, паличками і молоточками.
Сурдина. Латинське слово surdus означає “глухий звук”. Таким чином, сурдина – це пристрій для приглушення звуку. У духових інструментів вона у вигляді пробки, яку вставляють у розтруб; у смичкових – своєрідний гребінець, який чіпляють на підставку; на фортепіано роль сурдини виконує модератор. Використання сурдин розширює темброві можливості інструментів.
Сцена. Від давньогрецького skene, що значить шатро, намет, слово “сцена” через латинь і італійську мову трансформувалося в позначення майданчика в театрі, де розігрується дія.
У опері та балеті воно використовується так само, як в театрі в цілому, позначаючи частину дії, присвячену одній ситуації. Музика окремих сцен зазвичай об’єднана одним музично-драматичним “диханням”.
Такт. В XVI столітті, коли виникла необхідність упорядкувати музичний запис з точки зору ритму і метру, було вирішено відокремити вертикальними рисами найменші метричні одиниці музичного руху від однієї сильної долі до іншої. Німецькі теоретики назвали такий відрізок тактом від латинського tactus – “дотик”, що пов’язано з невеликим акцентним виділенням сильної долі.
Талант. У Стародавній Греції та в країнах Малої Азії слово talanton означало найбільшу вагову і грошову одиницю. Ця міра ваги (150 кг) існує і в сучасній Греції.
Зі змістом вищої цінності це слово стало застосовуватися і до оцінки здібностей людини. Талантом називають таку сукупність здібностей, яка дозволяє отримати продукт діяльності, що відрізняється новизною, високою досконалістю і суспільною значимістю. Вища щабель розвитку таланту – геніальність – дозволяє здійснювати принципові зрушення в тій чи іншій сфері творчості.
Існування справжнього мистецтва без таланту тих, хто його творить, – неможливе. Мистецтво – це вже прояв таланту. І все ж талант – завжди рідкість, навіть серед діячів мистецтва…
Тамбурин. Так французи назвали східний барабан (по-перському tabir) у вигляді витягнутого циліндра. Таку ж назву отримав і танець, що виконувався під акомпанемент цього інструменту. До цих пір популярний клавесині “Тамбурин” Ж. Ф. Рамо.
Там-там – литий металевий диск. Його виготовляють із спеціальних сплавів, а грають на ньому, ударяючи калаталом з повстяною головкою. Тамтам відноситься до інструментів з невизначеною висотою звуку, але має дивну здатність: його звучання завжди немов «підлаштовується» до тієї тональності, в якій грають в цей час інші інструменти. Партія там-тама записується у вигляді різних тривалостей на одній лінійці – «нитці».
В симфонічний оркестр тамтам прийшов недавно. Використовується він для створення особливих звукових ефектів. Його звучність може бути найрізноманітнішою – від таємничого, ледве чутного піаніссімо до потужного і грізного фортіссімо. Не випадково в операх там-там нерідко застосовують для імітації похоронного дзвону. Звучанням там-тама супроводжуються сцени чарівництва, заклинань, молитов жерців.
Танго. Один з найпопулярніших танців XX століття, химерно поєднує енергійність і таємності, танго – приклад багатої і складної взаємодії культур різних народів.
В середині XIX століття в Севільї (Іспанія) поширилося танго, яке прийшло з іншої іспанської провінції – Андалузії. Воно так і називалося андалузьким, але при цьому було вельми схоже і на кубинську хабанеру, яка там називалася американським танго. Через чверть століття танго помандрувало в Аргентину, де стало надзвичайно модним і збагатилося інтонаціями аргентинської пісні-танцю – мілонги. Ще десятиліттям пізніше виникло так зване креольське танго, по-своєму переробили все ті ж іспанські, кубинські і аргентинські елементи. І нарешті, на рубежі XIX і XX століть з’явилося знамените аргентинське танго, парний танець, в якому партнери танцюють, обнявши один одного за плечі.
Танець. Як і пісня, танець існує в житті людини з давніх давен. Природна потреба висловити свої емоції в русі зробила танець супутником її життя.
На ранніх етапах історії, в первісному суспільстві, танці мали ритуальні функції. У фольклорі багатьох народів обрядові танці існують до цих пір, вони часто пов’язані з іграми, дійствами. Пізніше танці придбали розважальне значення, як форма проведення дозвілля. Крім народних виникали придворні, бальні, салонні.
Супроводжуюча танці музика може бути вокальною, вокально-інструментальною, чисто інструментальною. В епоху Відродження найбільш популярними були змішані пісенно-танцювальні жанри. В їхній музиці закарбувалися ритмічні структури пісенної поезії. Це закріпило в слуховому досвіді людей звичку до чіткого ритму, а також певні емоційні і смислові зв’язки між словами в тексті і мотивами в музиці. Все це послужило основою світської професійної музики.
Величезна різноманітність танців різних часів і народів поступово склалася в загальну музичну “скарбничку”, з якої кожен композитор вибирає ті ритми і інтонації, які найбільш точно можуть створити потрібний художній образ.
Хореографія того чи іншого танцю зазвичай живе стільки, скільки живе танець, а потім із зміною стилю життя і моди – зникає. Життя музики танцю набагато триваліше. Вона зберігається в інструментальних (та й у вокальних) жанрах довгий час. Така доля сарабанди, менуету, полонезу та ін. Хореографія танців послужила основою для мистецтва балету.
Тарантела. Не дивуйтеся подібністю назви цього народного італійського танцю з назвою страшних отруйних павуків. Вона саме від павуків і походить. І танець, і павуки, можливо, отримали назву від міста Таранто.
Існує народна легенда, згідно з якою виконання цього танцю допомагало вилікуватися хворим безумством від укусу тарантула. Тому в XVI столітті по країні ходили спеціальні оркестри, що грали тарантелу, і під їхню гру хворі могли танцювати, щоб вилікуватися.
Тарантела – дуже темпераментний, запальний танець, що має шалений характер, в її ритмічній основі завжди лежать тріолі, гострі пунктирні ритмічні малюнки. Рух тарантели дуже характерний і виразний, легко впізнається. Його широко використовували композитори минулого століття як для самостійних п’єс, так і для окремих частин великих творів – сонат, симфоній, концертів тощо.
Тема. Як і в художніх творах, тема в широкому значенні – це перш за все головна думка, явище, яке розкривається образами даного музичного твору. Однак в музиці тема має і конкретний вид чисто музичної, звукової побудови, яка концентрує в собі головний образ твору. Втім, тем може бути кілька, і всі вони так само важливі, як персонажі літературно-драматичного твору.
Може виникнути питання: чим тема відрізняється від іншої музики? Вона відрізняється яскравістю і значущістю своїх інтонацій (гармонії, ритму, тембру). Крім того, в більш-менш великих композиціях вона ніколи не з’являється один раз. У зміненому або в повному вигляді тема обов’язково звучить ще, вже в новому контексті, в нових музичних “обставинах”.
Тембр. Це одна з чотирьох властивостей звуку, що включають висоту, силу, тривалість і тембр. Французьке слово timbre означає забарвлення звуку. Звук однієї і тієї ж сили, висоти і тривалості, відтворений різними інструментами, наприклад скрипкою та трубою, – відрізнятиметься саме тембром.
Якщо сила, висота і тривалість звуку можуть бути виміряні точними приладами, в точних одиницях, то тембр нічим виміряти не можна. Так само, як неможливо виміряти колір.
Тембр музичного звуку залежить від величезної кількості чинників – матеріалу, з якого зроблене джерело звуку (вібратор); форми цього предмета; якості, форми і віддаленость від нього резонатора; акустики приміщення.
Темперація. Починаючи з античності теоретики музики шукали такий музичний лад (тобто математично виражене співвідношення звуків по висоті), при якому на інструментах можна було б видобувати багато красивих і акустично правильних співзвуччь. І тільки в XVII столітті була знайдена система вирівнювання ладу (по-латині temperatio – правильне співвідношення), в якій акустично чистий інтервал – октаву – розділили на дванадцять рівних тонів. Це створило багатющі можливості для розвитку гармонії, багатоголосся, інструментарію. Весь слуховий досвід наступних поколінь, і наш зокрема, вихований на темперованому строї. Першим випробував і завдяки своєму авторитету затвердив темперацію Йоганн Себастьян Бах. У 1722 році він написав цикл з 24 клавірних Прелюдій і фуг в усіх тональностях, що склав перший том “Добре темперованого клавіру”.
Темперація – завоювання професійної музики. Що ж до фольклору, то його мелодика вільна від темперації і багата найтоншими інтервалами (1/4 і 1/3 тону). Фольклор останніх століть розвивався, звичайно, під впливом темперованого ладу, але і до цих пір у багатьох народів світу активно використовується нетемперований лад.
Тенор. Високий чоловічий голос – ось найбільш загальне значення цього терміна.
В музичній практиці воно вживається починаючи з раннього середньовіччя, і його значення неодноразово змінювалося. У церковній хоровій музиці так називали основну мелодію піснеспіва. Оскільки вона зазвичай виконувалася високим чоловічим голосом, ця назва перейшла в сучасну характеристику. Розрізняють тенор ліричний і драматичний. Серед видатних тенорів XX століття – X. Каррерас, Л. Паваротті, П. Домінго.
Тоніка. Грецьке слово tonos і латинське tonus означають звук. Від них і пішло італійське tonica – термін, яким позначають основний, найстійкіший ступінь ладу. Тоніка – перший, початковий ступінь, тому її скорочене, умовне позначення – римська цифра I або буква Т. Таке ж позначення має і тонічний тризвук – акорд, побудований на першому ступені мажорного або мінорного ладів.
Транскрипція. Буквально по-латині означає переписування (transcriptio), слово вживається також в географії і в музиці. По суті це те ж, що й переклад, аранжування, обробка. Але транскрипціями прийнято називати переклади віртуозного характеру, в яких досить прості в оригіналі твори одних авторів перетворюються в блискучі п’єси у інших.
Видатним майстром фортепіанної транскрипції був Ф. Ліст. Його транскрипції пісень Ф. Шуберта, каприсів Н. Паганіні, фрагментів з опер В. А. Моцарта, Р. Вагнера, Дж. Верді стали класикою цього жанру.
Трель. Солов’їні трелі настільки красиві і радісні для людського слуху, що у музикантів здавна була потреба прикрашати ті чи інші звуки за допомогою сусідніх звуків. Однією з таких прикрас є трель ( походить від італійського слова trillo, trillare – деренчати). Вона виконується таким чином, що взятий основний звук швидко чергується з сусіднім верхнім. В нотах трель позначається tr.
У професійній музиці трелями особливо насичені твори французьких клавесиністів (Ф. Куперена, Ж. Шамбоньєра, Л. К. Дакена і ін.), Оскільки звук клавесина не тягнеться і трель допомагає продовжити потрібний звук.
Тремоло. По-італійськи tremolo буквально означає “тремтячий”. Тремоло утворюється багаторазовим швидким повторенням одного звуку (саме так продовжується звук на мандоліні, літаврах, ксилофоні та ін.), інтервалу або акорду, а також чергуванням двох звуків або акордів. Тремоло дуже оживляє музику, надає їй характеру хвилювання…
Тріо. Ансамбль з трьох виконавців надзвичайно поширений в музичній практиці. Тому склалися певні склади тріо, наприклад струнне: скрипка, альт і віолончель; так зване фортепіанне: фортепіано, скрипка і віолончель; можливі й інші варіанти. Склався і власний музичний жанр для таких ансамблів, який так і називається “тріо”. Класичне тріо своєю композицією повторює сонатний цикл.
Назву “тріо” ще можна зустріти в середніх частинах багатьох побутових жанрів – маршів, вальсів, менуетів… Ці твори, як правило, мають тричастинну форму (тема, середина і реприза першої теми). За традицією середину виконував не весь оркестр, а лише тріо солістів.
Трубадур. Так називали південно-французьких поетів-співаків XI-XIV століть. Трубадури були яскравими фігурами в культурному житті Західної Європи. Їх творчість багато в чому підготувала світське мистецтво епохи Відродження. Це були люди переважно з вищої знаті, які самі писали вірші і музику своїх пісень. Їх творчість, головним чином любовно-ліричного змісту, формувалася під впливом іспано- арабської поезії і старофранцузского фольклору. Виступали трубадури зазвичай в супроводі менестрелів – музикантів, які акомпанували їм на інструментах або співали.
Збереглися зроблені самими трубадурами записи текстів і музики їхніх пісень, які виконувалися часто і іншими музикантами, без участі авторів.
Подібні співаки були в цей же час і в Північній Франції, вони називалися Труверами.
Увертюра. Пішло від латинського apertura – “початок”. Це французьке слово стало назвою вступної інструментальної музики до опери. Спочатку увертюри мали характер фанфарних вітань, але поступово наповнилися глибшим музичним змістом, пов’язаним з самою оперою. Перетворившись в цілком закінчені і самостійні оркестрові п’єси, увертюри підготували появу симфонії, саме в них композитори навчилися створювати лаконічні і яскраві інструментальні образи.
В XIX столітті виник ще один різновид увертюри – як самостійної оркестрової п’єси, зазвичай програмного або святкового характеру, іноді у вигляді фантазії на народні теми.
Ударні музичні інструменти. Група ударних інструментів – найнестійкіша за складом, але і найрізноманітніша в сучасному симфонічному оркестрі. Зараз до неї входять литаври, великий і малий барабани, тарілки. Крім них зустрічаються бубон або тамбурин, тамтам, трикутник, дзвони, кастаньєти, дзвіночки, ксилофон, челеста, вібрафон. Тільки деякі серед цих дуже різних інструментів відтворюють звуки певної висоти.
Як показує назва групи, звук утворюється, коли по інструменту вдаряють – рукою, пальцями, металевої паличкою або спеціальною стукалкою. Тарілки потрібно вдаряти одна в одну, бубон – просто струшувати.
В оркестр ударні інструменти прийшли давно, проте тільки в XIX столітті ударна група отримала широке застосування. Ударні інструменти підкреслюють ритм музики, надають звучанню оркестра велику силу, а його барвам – більшу різноманітність. Іноді вони використовуються з метою звуконаслідування, наприклад, для зображення грому, зливи і т. д.
Унісон. Італійське слово unisono означає однозвучний і походить від латинських unis – один і sonus – звук. Так називають злите звучання двох або кількох звуків однієї висоти. Наприклад, коли ви хором співаєте одноголосну пісню, ви співаєте її в унісон. При унісонному звучанні між складовими його голосами або інструментами виникає інтервал прима.
Фактура. На різних європейських мовах фактура означає характер матеріалу, пристрій, додавання, манеру письма, тканину тощо. В образотворчому мистецтві – це сукупність цілого ряду технічних прийомів художника: ведення кисті, накладення барвистих шарів, удари різця, полірування…
У музиці під фактурою розуміють характер музичного викладу, склад, тип взаємовідносин різних голосів музичної тканини. Фактура може бути акордовою, де всі голоси залежні один від одного і рухаються “стрункими рядами”; поліфонічною, де кожен голос самостійний; гомофонно-гармонічною, де один голос (мелодія) – головний, інші – підлеглі. Фактурні можливості музичної композиції дуже багаті. І ці три головних види фактури, які ми перерахували, можуть взаємодіяти один з одним, перемішуватися.
До кінця XIX століття фальцетом користувалися оперні співаки-тенора, для надання співу особливого, умовного характеру.
Подібним прийомом користуються співаки тірольських народних пісень – так званих йодлі.
Фанфара. Закличні звуки труби, а також сама ця труба і є фанфара. Мелодія фанфари завжди будується на мажорному тризвуці, має святковий, урочистий характер.
Фанфари звучать на святкових церемоніях і на полюванні, на військових і спортивних парадах. Як знак торжества вони часто зустрічаються в професійній музиці, особливо в операх, наприклад в “Орфеї” К. Монтеверді, в “Аїді” Дж. Верді, в “Фіделіо” Л. Бетховена.
Фермата. Італійське слово «фермата» (fermata) означає зупинка, затримка. У музиці ним називається знак фермата. Він ставиться над нотою, акордом або паузою (рідше – в перевернутому вигляді під ними) і означає, що виконавець повинен в цьому місці збільшити тривалість звуку на свій розсуд.
Філармонія. Організації та спільноти, що займаються концертним виконанням музики, назва походить від двох грецьких слів: phileo (люблю) і harmonía (гармонія).
У 1666 році, наприклад, була заснована Болонська філармонічна академія – найавторитетніша музична академія Європи.
В XIX столітті в європейських країнах і в Америці поширилися філармонійні спільноти – громадські організації, завдяки яким суттєво активізувалися концертне життя і пропаганда симфонічної та ораторіальних музики.
Існують і народні філармонії, які об’єднують самодіяльні колективи і працюють на громадських засадах.
Філофоніст. Це любитель музики, який колекціонує грамзаписи. В збірках філофоністів інколи містяться рідкісні платівки із записами виконавців минулого.
Філофоністи об’єднуються в клуби і спільноти, беруть участь в музичних вечорах, охоче представляють для прослуховування записи зі своїх колекцій.
Фінал. Це заключна частина якоїсь дії. Великі музичні твори, які, по суті, теж є музичними діями, обов’язково мають фінали. Більш того, оскільки вирішальне значення для загального враження від твору має кінець (все інше, зрозуміло, не менш важливе), то досвідчені музичні драматурги намагаються надати йому особливу динамічність і яскравість. Разом з тим до фіналу увага слухачів дещо послаблюється, і тут композитору важливо не переускладнити свій задум, щоб не занадто втомити аудиторію. Однак фінал – це частина цілого, і його характер залежить від загальної концепції твору.
Фіналами також називають оперні сцени, якими закінчуються дії. Це, як правило, великі ансамблі або хори, в яких беруть участь всі персонажі.
Фіорітура. ”Барвисте” звучання цього слова відповідає його італійському значенню: fioritura значить “цвітіння”. У музиці фіоритурами називають пасажі та інші мелодичні прикраси, які, мов завитки, розмальовують основну мелодію.
Фісгармонія. Можливо вам доводилося бачити старовинний інструмент, який з вигляду схожий на фортепіано, а по звуку – на орган, то знайте, що це фісгармонія, яку раніше часто називали домашнім органом.
Початок слова (фіс-) походить від грецького слова physa (міхи). Повітря в міхи нагнітається спеціальними ножними педалями, які виконавець весь час поперемінно натискає. Фісгармонія була винайдена в 1784 році чеським органним майстром Ф. Кіршніком. Зараз фісгармоній випускають дуже мало, її з успіхом замінює електроорган.
Спеціальної музики для фісгармонії написано порівняно небагато. Її частіше використовували для виконання перекладів, для занять з хором і сольфеджіо.
Фокстрот. ”Лисиний крок” – буквальний переклад з англійської (fox – лисиця, trot – рись, швидкий крок). Цей американський салонний танець з’явився в 1912 році на основі регтайму і уанстепа. (One-step по-англійськи “один крок”. Так називається швидкий американський танець маршоподібного характеру, що виник близько 1910 року.) Злегка маршоподібний, з гострою пунктирною і дещо синкопованою ритмікою, фокстрот існує в двох різновидах: повільний і швидкий. Фокстрот отримав світову популярність. Його ритми як ознаки сучасної легкої музики зустрічаються і в серйозних симфонічних творах.
Фонотека. Це зібрання звукозаписів (грамплатівок, касет і т. д.). Фонотека – новий порівняно з усіма попередніми епохами вид зберігання мистецтва. З виникненням звукозапису і фонотек музичний світ людей став таким же багатим, як літературний і світ образотворчих мистецтв.
Фонотеки організуються також при музичних бібліотеках.
На нашому сайті ви також маєте змогу відвідати фонотеку із підбіркою найвідоміших творів європейських композиторів-класиків.
Форма музична. Стосовно музики про форму говорять у двох аспектах. У широкому форма – це звукове втілення твору: від характеру інтонацій і підбору тембрів, до загальної композиції і гармонійної мови. Кожна нота і кожна пауза несуть своє навантаження, все впливає на зміст цілого.
У більш вузькому, технологічному значенні формою називають будову твору, його композиційну структуру. На протязі розвитку професійної європейської музики кристалізувалась певна кількість музичних форм, які, з одного боку, відповідають оптимальним можливостям людського сприйняття, з іншого – вміщають величезну різноманітність музичних “сюжетів”, типів музичної драматургії. Багато принципів повторюються в різних формах: контраст матеріалу, повтор, варіювання. Основні музичні форми склалися в XVII-XVIII століттях. З різними змінами і модифікаціями вони продовжують жити і в сучасній музиці. Бувають і так звані вільні форми. Найбільш поширені такі форми: двухчастинна, трьохчастинна, варіаційна, рондо, соната, фуга.
Форшлаг. Німецьке слово Vorschlag означає “передудар”. Він утворюється, коли основному звуку мелодії передує легкий короткий звук, узятий за рахунок часу попередньої долі. Форшлаг є однією з мелодійних прикрас.
Фраза. Фраза в музиці дуже близька до фрази в мові. Це невеликий, більш-менш завершений відрізок мелодії, який складається з мотивів, як мовна фраза – з окремих слів.
Фуга. Цим словом, яке походить від латинського fuga – біг, втеча – називається багатоголосний поліфонічний твір.
В основі фуги лежить, як правило, одна музична тема – яскрава, що добре запам’ятовується. Тема ця звучить послідовно в різних голосах. Залежно від кількості голосів фуга може бути триголосною, чотириголосною і т. д.
Зустрічаються фуги, написані не на одну, а на дві або навіть три теми. Тоді вони називаються, відповідно, подвійними і потрійними.
Фуга – це вища, найскладніша форма поліфонічної музики.
Особливо часто звертався до фуги Й. С. Бах. Як правило, фуга становить мініатюрний цикл разом з прелюдією.
Іноді фузі передують інші форми, наприклад, фантазія, варіації або хорал.
Фуга може бути не тільки самостійним твором або частиною циклу, але і частиною або епізодом великого твору – симфонії, ораторії, кантати або реквієму. В симфонії частіше зустрічається фуга не в повному, закінченому вигляді, а побудова на кшталт фуги, що містить в собі перші проведення теми і переходить потім у музику гомофонного складу. Такі побудови носять назву фугато.
Маленька фуга називається фугетта.
Хабанера. Ви, напевне, знаєте хабанеру Кармен з однойменної опери Ж. Бізе і здогадуєтеся, що вона пов’язана з іспанським фольклором. Але навряд чи здогадуєтеся, що танець своєю назвою зобов’язаний столиці Куби – Гавані (буквально habanera – “мешканка Гавани”) і походження його кубинське. Але, що найцікавіше – кубинська хабанера народилася з європейського контрдансу, завезеного на Кубу наприкінці XVIII століття.
Танець дводольний, з характерним пунктирним дробленням першої долі. Він популярний в Іспанії та в Латинській Америці. Його вважають одним з попередників танго.
Хорал. Середньовічний латинський термін choralis стався від грецького choros – хор – і означав хоровий церковний спів.
Ранній католицький хорал називається григоріанським від імені папи Григорія I, який наприкінці VI століття відібрав, переробив і узаконив ті християнські співи, які найбільш відповідали духу церкви. Мелодії хоралів відрізняються простотою і строгістю, навмисною знеособленістю, об’єктивністю. Тексти були взяті в основному з Біблії і в усій Європі співалися на латині.
Протестантський хорал виник як один із проявів руху Реформації, спрямованого проти католицької церкви. Його мелодії увібрали в себе народні інтонації, вони емоційні, людяні і демократичні. Тексти були переведені на національні мови.
Виникнувши як одноголосся, хорал, однак, поступово “обростав” багатоголоссям. З розвитком гармонії і аккордового багатоголосся поширилися акордові чотириголосні гармонізації хоралів. Тому музику чисто аккордового складу з нескладною мелодією у верхньому голосі називають хоральною.
У західноєвропейській музиці багатоголосні обробки хоралів, в тому числі і чисто інструментальні, утворили самостійний жанр. Найбільш відомі органні хоральні прелюдії Й. С. Баха.
Хореографія. Хоча слово це відноситься до балету, до танцю, і аж ніяк не до хору – збіг між цими словами великий. Тому що хоровод (а саме це означало давньогрецьке слово choros) – спів і танець одночасно. Що ж стосується другої половини слова, то воно значить запис. Отже, хореографія – це насамперед запис танцю, повна фіксація його рухів і їх послідовності. Цей термін введений французьким балетмейстером, або, як раніше називали, танцмейстером Р. Фьойе в 1700 році.
Значно пізніше, в середині XIX століття хореографією стали називати твір нових танців і балетних вистав. Нове поняття включило в себе старе і стало більш широким. Ним ми користуємося й донині, зробивши слово “хореограф” синонімом балетмейстер.
А також, термін “хореографія” отримав і загальний зміст як мистецтво танцю і балету в цілому.
Хормейстер. Німецьке слово meister означає майстер, фахівець, знавець. Присутнє воно в таких термінах, як капельмейстер, концертмейстер та ін.
У широкому розумінні це керівник хору, хоровий диригент. У минулому термін “хормейстер” був синонімом термінів “регент”, “кантор”, “капельмейстер”. Але якщо раніше він означав головного і основного керівника, то з розвитком концертної практики і підвищенням ролі диригента як художника функція хормейстера змістилася до функції помічника диригента при розучуванні репертуару, на репетиціях і т. д.
Хори. Хоча походження цього слова відноситься до хору, значення його пов’язане з архітектурою. Хорами називають високо розташовані галереї, балкончики у великому залі або в храмі, на яких розміщений церковний хор. Звук, що доноситься зверху, з хорів, робить церковний спів більш глибоким, таємничим і вражаючим.
Хроматизм. Походить це слово від грецького chroma, що означає колір. Стародавні греки уподібнювали сім тонів діатонічного звучання – до, ре, мі, фа, соль, ля, сі – семи основним барвам веселки. А півтони вважали їх відтінками.
Від слова хроматизм утворилися різні музичні поняття. Крім хроматичного півтону, це хроматична гама; хроматичні знаки – те ж, що й знаки альтерації; хроматичні інтервали, тобто інтервали, утворені за допомогою хроматично змінених ступенів ладу.
Немає коментарів:
Дописати коментар